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[硕士论文] 王科涛
美术 扬州大学 2017(学位年度)
摘要:江南的地理环境和人文环境为风景油画民族化本土化发展提供了优越的条件,江南水乡风景油画也成为中国本土油画的典型代表,它所包含的江南文化特征也彰显出其应有的诗性内涵。本文的研究目的主要是通过对大师们作品的学习,在毕业创作中探索不同的风格类型和表现手法,具体有以下三点:
  第一以当代江南水乡风景油画意象性的相关研究成果作为理论指导。江南水乡风景油画是以中西融合为基本创作理念,具有不拘形似的造型方式,其画面往往充满诗情画意。
  第二以当代著名江南风景油画大师的系列作品作为学习对象。首先对大师们的创作背景和个人发展历程作一个了解;其次分析他们作品中的共性特征和整体风格呈现;最后研究其作品具体表现形式。创作前期通过学习吴冠中作品中简洁的构图和唯美的色彩,以此来表现“简约唯美”的风格特征;创作中期学习了苏天赐作品中对色彩的微妙变化及物象的虚化处理,以表现“婉约明净”的江南水乡;创作后期主要学习了沈行工丰富的色彩运用和色层的互相渗透来表现江南水乡的“朦胧含蓄”美。
  第三在表现手法上主要探索了中远景的构图方式及船的造型和树的造型,重点探索了蓝紫色调在江南水乡风景油画中的运用,并对轻盈的笔触和柔和的线条作了一个探索,以此来来诠释属于自己心目中诗意的江南水乡风景。
[硕士论文] 付广
美术 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:本文就日本浮世绘版画对于19世纪欧洲后印象派的影响进行研究。较为详细的交代了浮世绘版画的内涵及语言表现特征;分析了后印象派画家受到浮世绘绘画影响的社会、经济及文化因素;以后印象派的典型人物及作品表明浮世绘的具体影响,并从内外部因素阐明这种现象发生的原因;最终提出这一现象对于东西方艺术融合的重要意义。
  
[博士论文] 王乐其
美术学 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:在本篇论文中,笔者通过对霍克尼绘画创作基本资料的普遍搜索和整理,在对其绘画作整体考察的基础上,旨在还原霍克尼绘画的性质,并对其作进一步的反思。
  本文分为上篇和下篇,上篇对霍克尼的绘画作分期考察,下篇对霍克尼的绘画作综合分析。
  在上篇中,笔者依据绘画风格阶段性的转换把霍克尼的绘画创作分为十个时期,并对其各个时期的绘画作全面的考察,试图对其每个时期的绘画创作既可宏观把控又能入微分析:逐一探究其风格的起源、发展、消退和转换;对其所使用的媒介和技艺作详尽的叙述;对其绘画题材和主题作基本的分类;对其与绘画传统的联系作基本的梳理。在下篇中,笔者首先分析了霍克尼绘画创作中的艺术与现实生活的同质同构现象。霍克尼通过生活艺术化和艺术生活化的双向模仿,在新鲜与愉悦的共存中把艺术与生活的界限模糊与消解。霍克尼的绘画创作本质上不离波普艺术的藩篱,他像一位炫目的花样滑冰手,绚丽多姿,永在一个平面上滑动,停留在此岸的愉悦世界。接下来,本文从三个角度考察霍克尼的绘画艺术。首先,笔者对霍克尼绘画创作中的复制、印刷以及绘画作品复合式传播的考察。在“艺术可以改变世界”以及“艺术属于大众”观念的指引下,霍克尼一方面不断接受图像复制品的影响;另一方面致力于他的绘画作品的复制、印刷以及有效传播。其次,通过对多种媒介与技艺及其与绘画风格转换之间关系的考察,揭示媒介和技艺等要素在霍克尼绘画创作中的核心作用,同时指出对媒介和技艺的过度重视与广泛涉猎对于霍克尼的绘画创作是一把双刃剑。最后,讨论贯穿霍克尼绘画创作中的写生,其中既有预设性倾向明显的风格化与程式化的写生,亦有较为朴素与直观的写生,两者常常相间出现。持续一生的写生成为他不同于一般波普艺术家的重要标志之一,也是其绘画艺术保持鲜活性的不竭之源。
[硕士论文] 拉赫曼
美术学 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:本文主要介绍了孟加拉国的油画作品和油画技法。通过本文的研究,我试图梳理孟加拉国古代艺术发展的脉络。从古至今,该国由于政治和全球化问题发生了许多变化,这种变化也反映在艺术实践上。在这项研究中,我也试图寻找到孟加拉国的油画和当代艺术风格发展的线索,阐述我的思考,并介绍相关当代孟加拉国艺术家的艺术实践。因受全球化和政治因素的影响,艺术家的艺术领域打开了一扇新的窗户。
[硕士论文] 李菲
美术学 山西大学 2017(学位年度)
摘要:本篇论文主要研究康定斯基抽象绘画的构成,并在抽象绘画的发展历程和创作形式上给予了详细的介绍,深入的探讨和研究了抽象绘画创作的表现语言,打开了新艺术的创造思维。一件成功的作品在于其构成形式的表现上,画面中单一元素与整体的布局,各元素之间的分布排列的关系和位置是否得当,都是衡量一件作品好坏的重要因素。在形式构成方面的理论应用,在中国尽管有许多人研究,但仍需完善;而西方对抽象绘画的的研究却比较系统和深入,多方面的进行探究油画的表现语言和构成形式,找到一种适合的创作方法。
  本文分为四个部分:第一章绪论简要阐述康定斯基绘画构成,以及康定斯基出现绘画构成在中外研究现状;第二章概括康定斯基绘画构成形成的历史背景,各艺术流派和学说等与其艺术理论产生的关系;第三章从康定斯基理论的三个层面来深入研究康定斯基的绘画构成,即点线面的构图与康定斯基绘画中隐含的深层含义;第四章主要从美学思想、音乐的通感理论和宗教观念来理解康定斯基的抽象绘画;最后总结,结合当今艺术创作发展的现状对我国当代抽象油画创新的思考,主要体现在抽象表现油画的构成上。在西方人们对精神内存的关注逐步得到重视,同时在中西方艺术文化的交流中相互借鉴,共同推动艺术的发展。在当前的国际环境下,任何一门艺术都不能独立发展,它们总是相互依存、相互借鉴。随着社会与科技的不断发展进步,康定斯基的绘画构成理论是对传统绘画形式的一次大的创新与突破,艺术家应该在传统艺术的继承上不断发展新艺术,取其精华,去其糟粕,不断充实自己更新观念,紧跟艺术思潮的变化。通过对康定斯基绘画构成的研究,使我们对其抽象绘画有了更准确的定位,而其内容、形式结构,表现内涵的创作手法对当今油画构成来说有一个启迪作用。由于本人学术水平有限,资料的查阅也有限,文中若有表述不当之处,我将真诚的接受各位导师和专家的评定。
[硕士论文] 廖玉洁
美术 河北科技大学 2017(学位年度)
摘要:从民族性油画发展来看,地域因素影响着油画创作的发展。地域因素是指空间、区域的特征,这种特征会形成不同的人文特性和艺术形式。在油画民族化的进程中,西藏地区与众不同的自然风光和别具特色的人物形象,成为油画创作的理想圣地,多年以来被许多油画艺术家所描绘。
  艺术作品源于生活,通常受环境、人文以及时代的影响,油画的创作也是基于艺术家对生活的感知。民族性油画就是一个民族的共同认知,符合着本民族共有的审美,是传播民族文化的重要艺术形式。地域性的绘画是体现民族共同认知的绘画题材,能够最大化的推进民族性油画的发展。本文旨在挖掘地域因素的深度和广度,延续我国民族性油画创作的历程。
  文中首先分析地域因素的人文、地理以及政治经济对我国民族性油画发展的影响,其次通过《天地间.净土》的创作,归纳出藏民形象、牧民生活以及传统节日这三大题材与地域因素的联系,从而进一步说明地域因素对民族性油画创作的影响。
[硕士论文] 周姗姗
艺术文化学 三峡大学 2017(学位年度)
摘要:“水陆画”为中国古代寺院或者私人举办水陆法会所悬挂的宗教图像,鄂西南当地百姓将其称之为“老爷子画、端公画”。本文旨在将鄂西南水陆画图像本体置于特殊的人文环境中,对图像本体进行解构与重构,探寻事物内部的属性本质。鄂西南地区与重庆东部、湖南的西北角相毗邻,地处三峡腹地,它是苗族、土家族、汉族等聚集地,当地土家族影射的空间范围最为广泛,其纵向历史具有浓厚的地方特色,文化特质具有同一性,鄂西南地区的民族属于同一文化圈。其“万物有灵观”的文化色彩最为突出,并把生存的权力作为一切价值观的思维方法,这也是构筑了“仪式”的核心内容。鄂西南水陆画图像本体作为仪式的媒介工具,与鄂西南百姓“天人合一”野性思维高度统一,是集体无意识的结果。
  在田野调查中发现,鄂西南水陆画图像具有佛、道、释三种宗教内容,并以道教为主。追本溯源,浓厚的“巫”文化为道教的产生提供了必要的锲机,与道教文化相辅相成,形成一个良性的道教化的流变,鄂西南地区特殊的人文环境对与图像本体事物间的追问具有很大的帮助。鄂西南水陆画图像本体研究主要分为三个阶段,第一阶段,对图像本体的审美构成进行分析,包括主要构图形式、神祗造型特点,整体的色彩偏好及搭配等,辨别基本的审美绘画语言,以进行阐释风格的特点,并借助外在资料的解析,探寻鄂西南民族文化的审美情感基调。这一部分属于图像学中前图像志(Präikonographische Analyse)的分析,即本文第二章鄂西南水陆画图像审美形式研究;第二阶段即图像志(Ikonographische Analyse),通过“主位法”对图像中的非审美元素进行解构,如神祗形象、八卦符号、动物图案,重在对象征事物以及象征意义的解读,在一定程度上揭示鄂西南民族的民间信仰与生活态度;第三个阶段,图像学分析(Ikonologische Interpretation),即图像学的阐释阶段,透过现象看本质:对图像内部进行重建、对观念和事物进行统合,探寻图像所表达的更深层次的文化内涵,着重分析鄂西南水陆画图像的功能价值、文化内涵、研究价值,前景发展。总的来讲,鄂西南水陆画图像不仅体现了本土独有的审美体悟,而且在思想情感中渗透了鄂西南地区特殊的民族信仰及人生价值观。
[硕士论文] 吴桥光
美术 天津师范大学 2017(学位年度)
摘要:因为社会生活水平的提高,画家创作的素材来源也产生各式各样的变化,所以画家们的创作题材随着生活的改变而改变。城市风景题材的油画越来越吸引现代的年轻画家,想通过油画创作来表达城市建筑风景与人文生活就显得越来越新潮。摆在我们面前的是全新的课题,一个全新的课题正在考验着当代艺术家们。画家们想通过油画的形式描绘丰富多彩的城市风貌或者是建筑风情的同时,就要考虑如何去表达城市风景题材的油画,要用什么样创作形式才能体现出人文思想。这将是城市风景题材油画的一个新的挑战,在这种挑战下创作出的油画作品就极具艺术价值和生命力。另外,感情也是极具影响力的,感情也是画家对城市油画创作的直接因素,甚至是画家的灵魂。我们从当今社会的角度想,画家们在作画的期间或多或少的将自己的感受和体会通过绘画表达出来。画家通过自身的因素来创作出个性的油画作品,这类油画作品就极具文化价值。创作感悟我主要分三个阶段进行:第一阶段对《城市风景》进行叙述。第二阶段《城市风景》创作的准备过程,分别从创作素材来源,构图和色彩,材料技法等角度对作品进行论述。第三阶段《城市风景》的具体创作细节和绘画手法进行阐述。第四阶段为《城市风景》的创作感悟,分为创作与生活两个方面的感悟。
[硕士论文] 黄贵婷
美术学 重庆师范大学 2017(学位年度)
摘要:近年来,国内关于民间美术的研究得到越来越多的重视,在土家族民间美术方面的研究也逐渐增多,与此同时,土家族民间丧葬绘画作品也逐渐引起学者关注。本文对土家族民间丧葬绘画作品的画面内容构成、造型元素、形成原因等方面进行分析,并对土家族传统聚居地——酉水流域、乌江流域和清江流域三大流域范围类的土家族民间丧葬绘画作品的内容进行分析对比。
  本文写作前期,笔者对部分土家族地区进行了田野考察,并将导师前期田野考察内容与笔者收集的相关文献资料进行汇总,阐述本文的研究背景、目的、意义、国内外研究现状综述、研究创新点及研究方法等内容。正文首先阐释土家族民间丧葬绘画作品的概况,包括了土家族民间丧葬绘画的界定、本文的资料来源和笔者2014年与2015年参与的关于土家民间丧葬绘画作品内容田野调查的概况。其次是本论文的核心部分,剖析了土家族民间丧葬绘画作品内容的构成,主要以作品画面中的内容构成与基本造型元素两个方面为切入点。其画面内容构成主要根据儒教、佛教、道教与土家族本土民间民俗信仰四个方面进行划分,其内容基本造型元素主要从人物元素、法器元素、动物元素等方面进行划分。再次分析丧葬绘画作品内容的形成原因,主要从其地理因素、社会背景、宗教信仰等方面进行分析。然后根据前文的内容分析,对土家族传统聚居的三大流域内作品内容呈现的差异进行分析和总结。最后对全文进行总结并得出结论。
  本文通过对资料的收集整理和分析论证,将土家族民间丧葬绘画作品内容进行梳理,从土家族丧葬绘画作品的内容构成、内容的造型元素、内容的成因几方面进行了论证。本文认为不同地区的土家族民间丧葬绘画作品具有一定的差异,清江流域土家族丧葬绘画作品内容具有受汉文化及道教文化和廪君文化影响的特点;酉水流域土家族丧葬绘画作品内容体现出文化的综合性和世俗化特征;乌江流域土家族丧葬绘画作品内容具有佛教文化为主及多元文化为辅的影响特征。
[硕士论文] 刘诗芮
美术学 重庆师范大学 2017(学位年度)
摘要:土家族的民间美术,其中有一种是在现代社会中很少有人知晓的民间美术,这种民间美术在经济发达的城市中,很难见到,但是在某些偏远的农村中,大量盛行。就笔者田野考察中来看,这种民间美术,土家族传统民间丧葬绘画,它所使用范围通常出现在土家族的丧葬仪式中。土家族传统民间丧葬绘画是集中体现了土家族“万物有灵”的神灵信仰的绘画艺术,它也是土家族丧葬仪式与民族传统艺术相结合的产物。土家族传统民间丧葬绘画,一方面,反映了土家族“万物有灵”的神灵信仰,另一方面,与土家族传统丧葬文化的传承有着密切关系。土家族传统民间丧葬绘画作为一种土家族特有的民间美术,我们不能因为它运用在丧葬仪式中就一味地把它视为封建迷信,它承载了相当丰富的土家族人的意识形态。笔者试图从构图的角度去研究这种土家族的民间美术,文章认为,“万物有灵”的神灵信仰导致了土家族传统民间丧葬绘画中描绘的内容,笔者发现由于神灵的等级不同,尊卑不同,故在构图上出现了多种多样的形式。本论文以土家族传统民间丧葬绘画为研究对象,在查阅相关文献的基础之上,结合田野调查中收集的相关图片资料,重点对其构图形式进行分析研究。首先,分析土家族传统民间丧葬绘画的生存环境,从自然环境和社会环境这两大方面进行分析和论证。其次,对于不同构图形式的土家族传统民间丧葬绘画分别进行了较为深入地分析,对土家族传统民间丧葬绘画构图的形式特征进行了一定梳理,文章认为,这种土家族民间美术作品的构图的基本形式总共分为两大类:独立式构图和复合式构图。在复合式构图中具体包括了三角形式构图、散点式构图、分层式构图、中心圆式构图。文章在此基础之上,笔者分析总结出土家族传统民间丧葬绘画构图的基本法则,包括对称、均衡、对比、指向。接着,论述其构图的形式特征,分为构图饱满、散点透视、突出主神、善恶分明、阴阳相生。
[硕士论文] 朱明亮
美术 上海师范大学 2017(学位年度)
摘要:现代艺术从二十世纪初开始,绘画领域朝着多元化发展,抽象绘画在这个时期占据着主体位置。“观念”创作方法几乎覆盖了整个二十世纪,并指导着艺术家的创作作品。抽象与表现绘画,在二十世纪美术史上占据着主要位置。自由,反传统,形式是那个时代的重要观念,甚至可以概括二十世纪初的绘画特征。然而荒诞这个词在绘画领域上,并不多见,甚至还有点陌生。从二十世纪的各艺术家表现手法来看,绘画观念朝着多元化发展。荒诞美学在视觉艺术领域具有很重要的意义,并且具有很大的空白期和研究盲点。
  本文主要研究油画中荒诞美学的表现,二十世纪初到二十世纪末尾,没有美术评论家对绘画中的荒诞美学有一个统一说法,在绘画史上也没有出现过所谓的“荒诞主义”。本文试图从油画表现手法,形式,要素和观念上寻找荒诞主义绘画或者荒诞派绘画。这个荒诞主义绘画是本文中所提到的绘画构想。
  从历史进程来看:荒诞美学观念在绘画表现史上仍然是一个未开荒的领域,因为荒诞美学在美学史上本身就是一个新兴的概念,普遍的开始出现于二十世纪初的文学和戏剧中。在本文开始部分主要对二十世纪美术史中寻找“荒诞”的观念,对二十世纪的美学创作观念进行整理和归纳,以此来试探寻找荒诞美学中所具备的要素。鉴于二十世纪美术史上,对于“荒诞”的表现没有统一,权威的说法。本文会以马丁·艾斯林所整理的《荒诞派戏剧》中的美学观念进行延伸和探索,另外还会在文学作品中表现荒诞的形式进行借鉴。在美学的指导思想上,会以黑格尔的《美学》为基础。
  在此基础上,本论文主要定义绘画中荒诞表现所具备的元素,和表现手法,然后把这些荒诞观念用于本人的油画创作中去,以此来探索出油画中荒诞美学的表现方式。本文会用一些油画作品(本人创作)来进行对荒诞美学探索的补充说明。另外,在油画表现上,是以当代写实技法为基础的(写实技法选择的原因也是本文要重点阐述的)。油画作品会从所需元素,构图分析,空间选择,色彩表现,意义内涵,等五个方面来进行阐述。这五个方面会主要以荒诞所需元素来做主要的内容和论证。
  研究方法上,本文会以文献研究法为主,观察法为辅助。对论点进行整理归纳和实证研究,以此来探索油画荒诞美学的表现形式。并以此来寻找当代油画的发展新前景。
[硕士论文] 于艺
艺术 北京服装学院 2016(学位年度)
摘要:奥布里·比亚兹莱是19世纪末20世纪初杰出的插画家。本文通过文献查找和作品分析等方法对比亚兹莱传奇的一生及其插画作品进行了全面的研究,试图通过对比亚兹莱与其插画艺术的分析,深入阐述其艺术成就。本文论述比亚兹莱插画艺术中的东方意蕴,主要从日本浮世绘对比亚兹莱作品的直接影响和比亚兹莱作品与中国传统绘画在表现手法上的共通之处两方面入手。借助比亚兹莱几幅代表性的作品具体地对比亚兹莱插画艺术中的东方意蕴进行解析与论述。通过对作品的解析,找出影响其创作的各种元素,论述比亚兹莱是如何创造性吸收了不同文化艺术的精髓,创造出比亚兹莱式的装饰艺术风格。希望通过对比亚兹莱插画中所蕴含的东方意蕴的深入剖析,以小见大,看到不同文化背景下产生的不同绘画艺术在艺术风格交流、审美情趣交融上的可能性。
[硕士论文] 黄语涵
美术学 青岛科技大学 2016(学位年度)
摘要:作为日本东洋史学家,内藤湖南具有广博的汉学素养,在国际中国学的研究方面,占有举足轻重的地位。由内藤湖南所著的《中国绘画史》,是近代日本第一部较有系统的研究中国绘画史的学术著作。内藤湖南对于中国美术史的研究主要是源于日本的明治末年和大正时期,他并不着眼于日本古老的收藏,而是更心仪于明清时期的绘画,并极力推崇中国的文人画,这与当时日本学界守旧派的观点截然相反,是背道而驰的。因此,今日探讨20世纪初期中国绘画如何影响了日本绘画,以及日本学术界如何看待中国南画,都不可忽略内藤湖南的存在。本论文首先叙述了内藤湖南美术思想形成的内外动因,进而对体现其绘画思想的《中国绘画史》进行了深入剖析,指出了其中存在的“鱼目混珠”之处。第三章则通过论述内藤对于“南画”的推崇,进一步彰显出其对于中日画坛的深远影响。通过系统探讨内藤湖南有关中国绘画的研究,不仅有助于了解二十世纪前后的美术史观,了解中日美术交流史不同的鉴赏观。而作为一名后学,系统认识和了解内藤湖南这名域外学者对于中国绘画的研究,也有助于我们进一步思索中国画的民族性,以及中国画如何继承传统并发展的问题。而本文探讨内藤湖南对中国绘画的相关研究及影响,亦有助于我们进一步了解二十世纪前后的美术史观,以及中日美术交流史中不同的鉴赏观。
[硕士论文] 刘丹
信号与信息处理 西安建筑科技大学 2016(学位年度)
摘要:中国画作为世界艺术宝库中独树一帜的艺术创作形式,也是我国传统文化艺术的重要组成部分。随着中国画逐渐步入国际拍卖市场,近几年出现了大量的赝品。所以,如何准确的判断一幅中国画作品的真伪已成为目前中国画发展中面临的一大难题。传统的中国画真伪鉴别主要是专家通过自身已有的经验,根据作品的笔法、墨法以及所处年代,对画作进行感性判断,但是,这种方法极易受主观因素干扰,并且缺乏客观的、可量化的鉴别指标。针对上述问题,论文使用图像处理计算机视觉等技术,并结合一些可量化的中国画真伪鉴别指标,设计了一种基于图像识别的中国画真伪鉴别方法,以辅助中国画真伪鉴别工作,提高真伪鉴别的可信度。论文主要工作分为以下两个方面。
  (1)中国画的绘画手法独特,风格类型丰富,基于这一特征设计了一种感兴趣区域(Region Of Interesting,简称ROI)提取的中国画风格特征判别方法。新方法通过提取图像的低阶特征,分析每种特征的ROI特点,再利用最佳权值算法,综合提取图像的特征ROI,最终,根据每种特征在图像中的贡献值来调整权值,以最佳权值所对应的ROI即为特征ROI来作为图像的风格特征。
  (2)在风格特征区域判别的基础上,设计了一种中国画真伪鉴别方法,由于马尔科夫随机场可以表示当前值与其邻域的关系,因此新方法建立区域级的马尔科夫模型。其中,模型第一层利用改进的置信传播算法迭代递推区域的真伪状态,第二层,根据区域的真伪状态推出对象块的真伪状态,最终,在第三层使用投票法判断出整个作品的真伪状态。
  最后,在Windows7操作系统环境下,利用VS2012平台下进行了编程实现,以验证方法的可行性和适用性。
[硕士论文] 王海艳
美术 湖南师范大学 2016(学位年度)
摘要:任何一个画种都有其独特的形式特征,必然存在着其应有的艺术价值。杨家埠木版年画也同样如此。面对这一民族文化遗产,怎样将它的形式进行吸收和利用,从而使它具有新的生命力?在强调创新的当下,兼容并蓄,打破局限,相互吸收,已是大势所趋。油画传入中国已百年有余,在油画民族化的历程中,大量研究者投入其中,在形式表达方面虽然已经取得一定的突破,但仍然存在着巨大的研究价值和探索实践意义。因此,选择对杨家埠木版年画的形式进行研究与借鉴,结合传统木版年画的表现形式,运用当代油画语言对《灶王爷》进行再创作,希望在油画民族化的道路上积累一定的个人经验,为今后的艺术实践提供一种可能。
[硕士论文] 赵阿媛
美术学 青岛科技大学 2016(学位年度)
摘要:本篇论文主要从弗里达的人生经历开始论述,由她的经历可以更深入的了解她的绘画创作,力图从弗里达绘画的独特苦难主题进行艺术分析,从而了解弗里达绘画艺术的独特意义。
  对于一位艺术工作者而言,生活中的磨难是一种创作的动力,使艺术家们以对世界的超常感知和领悟,在精神领域中寻找自我意象的完美,并迸射出强烈的艺术生命活力,形成自己独特的风格。弗里达生活中的苦难,是她对艺术创作超凡发挥的源泉之一,她将现实中肉体与精神的痛苦转嫁到艺术生活中,通过绘画讲述自己的故事。反之,艺术创作又给弗里达的生命增添了色彩,给了她新的生命和生活的希望。弗里达将自己的生活都以自画像的形式表现出来,这些自画像摒弃了传统自画像的审美标准,往往以茂盛艳丽的热带植物,荒诞而又神秘的猴子、鹦鹉、黑猫等物象充实画面,同时装点冷漠、肃穆甚至有些男性化的自画像,强调出美好与痛苦。
  弗里达作为一名女性艺术家,她的一生命途多舛。在她的作品中,不仅仅表现了自己内心的世界,还展现了女性的思想,阐述了女性艺术中的女性视角,弘扬了女性绘画艺术的魅力,增强了人们对于女性艺术家的认知。
[硕士论文] 廖然
美术学 江西师范大学 2016(学位年度)
摘要:城市的出现可以说是社会发展的必然产物,是我们人类根据自身的需求对大自然原有环境的一个改造,我们将风景油画的视角由传统田园风景转向工业城市风景正是顺应这个时代潮流,逐渐成为油画发展的一个重要拓展和必然趋势。虽说城市风景油画伴随着社会发展进程在我们美术史中很早就已经出现过,但一直以来仅以一种题材的方式进行,并没有人对城市风景油画去定下一个具体的概念以及界定。即使如此,城市风景油画仍以其鲜活的生命力在艺术发展的长河中散发其独特的魅力。
  本文选题来源于自身的创作实践,笔者认为,创作的目的在于表现生活之美,而最鲜活最生动的艺术之美往往是生活本身。论文是在对工业城市风景研究、历史发展沿革进行分析和总结的基础上,结合所在城市工业发展,经过详实的调查和研究,展现个人审美与生活环境有机结合的成果。本篇论文的主要内容有三部分:首先介绍城市风景油画的概念及其发展历程,使读者对城市风景油画能够有一个初步的了解,其次介绍一下本人毕业创作中所画的城市,让读者能够初步的感受到当地人文风景,最后就是有关于个人毕业创作,向读者阐述自身构思及创作中所遇问题。把城市风景作为一个单独的专题来研究,是风景油画方向上的一个拓展;以城市风景为依据,直面的是当前社会生活及生存环境;通过对城市风景的选择、重构与组合,表现的正是城市变革对人类产生的巨大影响,使城市风景油画相较于一般意义的风景油画,更具有时代内涵与精神感召力。
[硕士论文] 卢震
美术学 山东师范大学 2016(学位年度)
摘要:在漫长的绘画发展史中,由于种种原因产生了许多未能完成的油画作品与创作草稿,这些作品虽不能够代表画家们最高的艺术水准,却也有其独特的价值与美感。就如同未曾出口的告白,悬而未决的诗句,正因为画面的未完成,反而能够引发观看者对这些作品更多的想象,形成一种独特的审美体验。同时,未完成的绘画作品向观看者展示的是画家创作过程中的某一阶段,这似乎使我们具有了更加接近于先贤的视野,有助于对绘画大师们创作思路及绘画技法等各方面的进行研究。
  对于未完成绘画作品的研究,即不能脱离画家所处的时代背景与个人经历,也要立足于作品本身,研究画家的构图方式及绘画技法等,甚至要将作品放置到绘画史中,结合其在绘画史中所处的位置等进行研究。
  本文共分为四部分
  第一章论述了什么是未完成绘画作品及草稿并列举对未完成绘画作品研究的意义。本文将要研究的未完成绘画作品指的是画家由于各种原因使作品停留在创作过程中的某一阶段,未能完成既定创作意图的作品,还包括一些经过画家设计的具有“未完成感”的作品。对其研究的意义主要在于:有助于了解画家与时代的关系及画家创作思路,以便能够对油画大师的创作进行更深入的了解以及通过未完成作品中的构图与技法研究,有助于更深入的对大师绘画进行学习。
  第二章结合画家人生经历及时代背景对未完成作品进行介绍,并对其未完成原因进行研究。分别选取了提香·韦切利奥的作品《教皇保罗三世和亚历山大与奥塔维奥·法尔内塞兄弟》,雅各·路易·达维特的作品《网球场宣誓》及其草稿,马奈的《舞会上》等几幅人物写生作品;莫奈的《绿色睡莲》、《鸢尾花》,卢西安·弗洛伊德作品《培根肖像》、《阳光充足的早晨---八条腿》。
  第三章对未完成作品中画家创作思路及构图研究,诸多优秀的油画作品中,不只具有画家独到的精神追求和其表现出的独特性格特征,创作思路及巧妙的构图也是画面成功极为重要的因素。本章重点研究所选取的几幅未完成作品所展现出的画家在创作时的创作思路及其在构图时常用的方式,以期加深对画家绘画的了解。
  第四章对未完成作品中画家绘画技法研究,未完成的绘画作品因其特殊性,展现在观者眼前的是画家在创作过程中的某一阶段,直观的向研究者展现了画家创作时技法运用的过程,令人知其是如何“来的”,因而对其进行研究能够更加清晰的了解先辈大师绘画技法。
[硕士论文] 张燕
美术学 山东师范大学 2016(学位年度)
摘要:安塞姆·基弗是德国新表现主义代表人物之一,被公认为德国当代最重要的艺术家。他的艺术表现形式多样,他厚重的画面风格和巨大的材质与人类自身的透明与脆弱形成了鲜明的对比。这位当代伟大的艺术家对充满矛盾但又异常丰富珍贵的整个德国文化史进行深刻的反思,甚至打算收集从远古神话到最近历史所有的材料,然后把与它们辑集成具有中世纪圣经之价值的巨作,结果,他是用“紫胶、沥青和油彩”代替文字完成了这些内容。他的艺术作品画面意义多重,回答了在一个越来越多元的时代如何创作艺术,如何在其中发展自我的问题。
  基弗艺术作品极富指涉性,通过各种主题、物质材料的使用,运用不同艺术风格形式直接或间接地进行命题创作。通过基弗的画面,能够看到绘画语言可以表现的无限可能性。基弗综合运用肖像画和挪借等各种方法使当代生活和过去的历史发生关联,使作品发生存在性的延续,通过这种方式与现代艺术形成对话,间接性的使观者去思考他们从哪里来,他们又该成为哪种类型的人。而基弗给这种对话所带来的新的思想就是告诉观者:自我可以通过极其广泛的形式来塑造。大部分人观看基弗的绘画,认为他是沉重的,所传达给人的信息是悲伤的、痛苦的、孤独的,而基弗并不是这么认为,他认为孤独恰恰是某种积极东西,基弗用废墟表达未来、用孤独展现空间、用悲情诠释色彩、用象征构建造型,用独有的艺术语言塑造自己的个性特征。基弗曾说过:“对绘画作品的阐释可以是多种多样的,这里没有对错,只有看你参没参与,你参与了,然后认定了一种意义,这就是积极地结果,于是,你认定的东西就真的在哪儿了。”
  本文将从基弗的绘画表现语言入手,通过对基弗经常运用的材料、颜色、造型、空间几方面的研究,去探索基弗的绘画表现语言形式,找寻隐藏在画面深处的支撑点。本文主要从三个方面进行论述:
  第一章总述基弗所处时代的特殊文化背景,解读基弗艺术理念形成的原因,进而阐释基弗艺术视域的理论来源,为第二章解读基弗绘画表现语言的分析做理论铺垫。
  第二章是分论基弗绘画表现语言的特点,从基弗绘画作品的材料的使用、画面结构,空间表达、颜色的运用四方面去论述,选择每一个方面具有代表性的艺术作品进行分析,力图解读基弗的思想和文化针对性在作品中的艺术表现。
  第三章是总述我对基弗绘画表现语言的思考,主要从总的分析德国新表现主义的传入对中国艺术家的影响,进而论证基弗的表现手法和形式对当代青年艺术家的影响,最后是通过对命题定位,个性建构,图文互通三个方面进行分析引出对自身的思考。
[硕士论文] 罗炜燕
设计艺术学 中南民族大学 2016(学位年度)
摘要:本文以静物油画艺术家莫兰迪和阿利卡为例,以他们静物画作品创作的方式结合我国“画道”、“中庸”等理论对当代绘画形式语言进行探究。研究莫兰迪和阿利卡绘画精神上的相通,可以从他们对创作的态度、审美取向、历史背景、意境、逻辑等去理解、加以分析,解读他们绘画精神在“中庸”上的共通之处,结合笔者的创作实践和感受,以探究当代油画静物的绘画语言里这看不见、摸不着、却在画面中处处都有痕迹的“道”。
  画家的艺术创作本身就是一个充满矛盾的、复杂的、辩证的过程:一方面,画家依赖于对象,不管是抽象画法还是具象画法,画家都需要参考所描绘对象的外形、色彩、空间、质地和透视等,都会对这些特性进行细致的观察、分析,这是画家在画面表现思想、精神所需要依附的形状外壳;另一方面,画家又要避开对象的一些固有属性,避免“画的太像”,就算是具象绘画画家,也会在“似”中求“非”、求“变”,无论是在对象的色彩、质地、形状还是空间透视上都会有意地制造一些“偏差”,而这些“偏差”,就是画作中“活”的能量。在美术创作时,既不能游离与物象之外,又不能被物象的固有特性束缚了手脚。
  同为具象表现绘画画家的莫兰迪和阿利卡都主张以具象的手法表现对象,画面没有目的性,不是一味的追求变化和新奇,而是通过描绘最本真的物象流露最自然的性情和情感。莫兰迪和阿利卡绘画上都坚持“物”与“我”的合一,虽然在画面的处理方法不一样,但是他们都把自我的思想与客观的物象联系起来,以独特的创作手法和个人魅力传达了画面的形式语言。
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