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[硕士论文] 于萍
音乐与舞蹈学 内蒙古大学 2017(学位年度)
摘要:蒙古族风格创作歌曲主要是指由内蒙古作曲家参与创作,旋律与歌词具有蒙古族特色,同时结合现代流行音乐元素并以歌颂草原、赞美家乡为主要题材的内蒙古新创歌曲。
  本文以查干蒙古族风格创作歌曲为切入点,对查干音乐的体裁类型、蒙古族风格创作歌曲的题材分类和音乐艺术创作特点进行分析。结合自己的民族声乐的学习对演唱蒙古族风格创作歌曲的演唱艺术表现进行研究,从而对蒙古族风格创作歌曲这一类型的音乐体裁有进一步认识,不仅对于个人民族声乐的演唱有提升,同时也丰富了今后的教学内容。
  本文由绪论和四章正文构成,绪论主要从研究的选题依据、相关研究成果综述以及研究方法进行阐述。第一章介绍了查干的艺术之路,主要从查干的个人简介和查干的音乐创作的体裁类型两方面叙述。第二章详细叙述查干八首蒙古族风格创作歌曲的具体的题材创作背景。而第三章则是从艺术特点方面来叙述,简述查干蒙古族风格创作歌曲的民族化音乐风格。最后一章是全文重点章节,结合自己所学专业知识,对于演唱蒙古族风格创作歌曲的艺术表现进行深入探究,从气息的支持与运用、诺古拉的演唱技法妙用、声音的力度变化与控制、音乐处理及风格的把握这四个方面来解读,结合不同歌者对于歌曲演唱的处理来分析不同技法的特点。通过以上的分析,对查干个人以及他所创作的音乐有更全面的认识,对于推广民族音乐文化所起到的积极作用。
[博士论文] 荆蕾
音乐与舞蹈学 哈尔滨师范大学 2017(学位年度)
摘要:沃尔夫是二十世纪最伟大的音乐家之一,以独树一帜的音乐创新性表达形式,反映纷乱复杂的社会现实,揭示人们的心理和人文历史蕴涵。他一生共创作了二百四十多首艺术歌曲,8部重要艺术歌曲集,开创了现代艺术歌曲的历史,是德国艺术歌曲当之无愧的代表人物。在他的艺术歌曲创作中,既体现了古典浪漫主义的情怀,又具有现代音乐的色彩,始终保持着自己的创作风格,追求音乐的内在本质和自我提升。
  由于受到历史的原因,钢琴艺术指导在国内发展还处于起步阶段。虽然1998年由时任文化部教育司司长戴嘉枋首次正名“钢琴伴奏”为“钢琴艺术指导”,但是对于这一专业,国内九大音乐院校还在学科建设的探索中。本论文的钢琴艺术指导研究,是依托于对比国内、国外此专业的课程设置方面的思考,从音乐史学、音乐分析、音乐表演三个方面综合展开,具体分析沃尔夫歌曲的创作成因以及表演形态的特点,运用史学的研究方法梳理沃尔夫艺术歌曲在德奥艺术歌曲历史上的重要地位,通过沃尔夫所处时代、政治宗教、人文环境对沃尔夫艺术歌曲的创作观进行分析。通过对46首意大利歌曲按钢琴艺术指导内容分类研究,拓展研究沃尔夫音乐作品表达的方法论,为钢琴艺术指导学科建设在德奥艺术歌曲的专题研究方面添砖加瓦。
  本文从钢琴演奏法的历史发展出发,结合大量音乐家表演沃尔夫《意大利歌曲集》的音乐会视频、音频资料以及多位出色的钢琴艺术指导、指挥家的书籍和近二十余次的学理探讨,得出一系列作为钢琴艺术指导处理沃尔夫歌曲表演形态的启示。通过对比各位艺术家的表演形态,从各个层面解析沃尔夫艺术歌曲钢琴声部的演奏特点。通过类型化的对比,将沃尔夫的意大利歌曲集重新审视,按声部、音域、内容等各因素,将对《意大利歌曲集》钢琴艺术指导按指导内容具体分为三大类逐一解析。因沃尔夫本人对诗歌韵律非常精通,所以本论从诗词、韵律、语言学的角度上去分析沃尔夫,并得出沃尔夫在歌曲写作时,钢琴声部以及旋律声部与诗歌内容以及朗诵韵律上的紧密联系,这也是沃尔夫艺术歌曲写作与其他艺术歌曲的区别之处。
  本文对46首艺术歌曲的歌词做了详尽的句对句的翻译之后从表情术语、速度标记、以及谱面上的音乐动机、节奏动机、弹性速度等方面对沃尔夫创作的意图进行推断,为没接触过德语诗歌或者不熟悉诗词韵律的表演者,提供多层面的理解角度从而使更多的演绎者理解其歌曲创作意境。结合沃尔夫创作歌曲集前后时期思潮、美学思想的对比从而证实从审美角度看沃尔夫的艺术歌曲无论是在历史中还是在未来,对艺术歌曲创作领域都起到了至关重要的作用。本论的研究为中国艺术歌曲创作以及表演诠释提供许多指导性的借鉴。通过对国内外沃尔夫歌曲的实证分析对中国各音乐学院以及高等院校音乐系的艺术指导专业构建方面,做出了方向性的期盼以及理性的建议。
[硕士论文] 周慧珺
音乐与舞蹈学 上海师范大学 2017(学位年度)
摘要:十九世纪,胡戈沃尔夫传承了舒伯特、舒曼的艺术歌曲传统,吸收瓦格纳的观点,在他短暂的一生留下了大量的感人至深的艺术歌曲。《艾亨道夫歌集》便是其中独具魅力的一部,歌集中歌曲数量不多,短小精练,既有抒情迷人的浪漫风格,又有生动活泼的现实风格。
  本研究综合前人对沃尔夫艺术歌曲的研究成果,并总结对沃尔夫歌曲的实践体验与想法,对《艾亨道夫歌集》中的五首歌曲的艺术价值和演唱进行探讨。《艾亨道夫歌集》歌曲的动人的魅力吸引众多艺术家们不断地演绎,它的价值不仅体现在它独特的艺术风格上,也体现在他开拓的音乐创作的手法上,带给我们声乐学习者与欣赏者完全不一样的艺术体验。沃尔夫充分发挥钢琴的感染力与德语语言的表现力,将原诗描绘的风趣幽默的现实生活或细腻的情绪展现的淋漓尽致,歌曲的每个单词都有他理性的音乐处理,形成他独特的客观的抒情风格。作品少有朗朗上口的旋律线条,但在钢琴的烘托的气氛中,体现了语言本身所具有的节奏韵律,亲切而质朴。歌曲不遗余力地表达诗意,体现出了一种平衡美,也体现出了更综合的审美价值。
  本文以沃尔夫《艾亨道夫歌集》为基础,研究沃尔夫艺术歌曲创作的背景和《艾亨道夫歌集》的创作特色,把握歌曲的总体风貌,从音乐分析着手,把握五首《艾亨道夫歌集》中歌曲的情感、语言、诗歌的内涵、演唱的技巧等,力求为喜爱并尝试演唱沃尔夫的歌者提供参考。主要内容如下:《艾亨道夫歌集》创作概况,交代了歌集的创作背景、基本内容及主要特点;《艾亨道夫歌集》的艺术价值,分析歌曲的开创性价值与沃尔夫承前启后的艺术风格以及对声乐艺术的意义;《艾亨道夫歌集》演唱风格分析,通过对《艾亨道夫歌集》中的五首作品具体分析,把握对诠释《艾亨道夫歌集》演唱的基本方向。
[硕士论文] 金明玉
音乐 延边大学 2017(学位年度)
摘要:《第一钢琴协奏曲》(1796)是贝多芬协奏曲创作的开创作品,是他早期创作的代表作品。本论文以力度的控制、速度的控制、踏板的运用、八度的弹奏方法等为内容,研究贝多芬《第一钢琴协奏曲》(第一乐章)的演奏技巧。
  贝多芬《第一钢琴协奏曲》(第一乐章)的演奏技巧如下四个方面的特点:
  第一,快速跑动中强弱对比的触键应从肩膀—经过手腕—到手指的顺序,放松弹奏每一个音。每小节的开始音为关键音,重心放在关键音的手指上,用饱满的力量来支撑头音,剩下的三个音要贴键弹奏,手臂要用往外推或者往内收的方法来补助旋律上行和下行时的力度,这样会使旋律更加连贯。
  第二,断奏的踏板运用种类有浅踏板、抖动踏板、节奏踏板、切分踏板等4种运用法。随意运用或者踏板上下幅度过大,会出现嗡嗡的声音或者嗓音,所以要谨慎运用踏板。
  第三,八度弹奏需要手掌的支撑,手的大小也影响着手关节的紧张程度,但手大手小都要放松臂膀和手臂,肩膀不要怂起来。准确无误而有力量的八度就是在这样准确的姿势下练出来的。
  第四,控制速度有好几种方法:平稳弹奏、压住旋律、连贯弹奏、贴键弹奏等,特别是16分音符跑动时,不要急于跑动,要注意作品的效果。速度过快失去庄重的气氛,速度放慢会失去作曲者的一种积极向上的意图。所以,整个作品的关键在于控制好速度。这离不开平时扎实的基本功。
  希望本论文的研究结果,能够有助于钢琴专业学生的学习和进步。
[硕士论文] 曾妍
音乐 延边大学 2017(学位年度)
摘要:拉赫玛尼诺夫(1873-1943)出生于俄罗斯,是二十世纪非常有名的钢琴家、作曲家同时又是指挥家。《帕格尼尼主题狂想曲》(Op.43)是1934年夏天在美国创作,这是他创作晚期的代表作,创作只用了一个半月的时间。首次演出是1934年,在美国马里兰州最大的城市巴尔的摩,由拉赫玛尼诺夫本人演奏,指挥是斯托科夫斯基,费城管弦乐团协奏。
  本文主要对拉赫玛尼诺夫《帕格尼尼主题狂想曲》进行了研究,首先对作品的创作背景和乐曲风格进行分析,然后进一步从曲式结构、作品中的三个旋律主题以及比较突出的旋律特点这三个方面对作品进行音乐分析,最后将作品的演奏技巧和方法做详细阐述。在本文的第二章和第三章中,通过用谱例和文字结合的方法,让内容表述更为直观。
  通过对这部作品研究、分析、总结的过程,加深对拉赫玛尼诺夫这位作曲家的钢琴作品的音乐风格的理解和认识,并在此基础上,能够更为深刻的把握这部作品的音乐特征和演奏技法,也希望能为钢琴学习与演奏者提供一定的艺术研究价值与实践帮助。
[硕士论文] 韩美燕
音乐 延边大学 2017(学位年度)
摘要:《啜泣》(1940)是20世纪初期法国艺术歌曲创作领域最具影响力的作曲家之一-普朗克(Francis Poulenc1899-1963)的作品,是普朗克声乐套曲《平庸》中的第五首曲目。歌曲旋律舒缓,音色丰富,极富抒情感。
  本论文以气息、速度、母音状态、共鸣、声音位置等声乐技巧为内容进行了关于《啜泣》的演唱技巧研究。
  《啜泣》的演唱特征归纳为以下三个方面:
  第一,气息和母音状态在演唱《啜泣》的过程当中,也起到根本性的作用是一个不可或缺的大前提。
  第二,气息在声音的位置饱满响亮的音量起到决定性的作用。
  第三,母音状态在声音的高位置,正确的共鸣位置,咬字的准确与相互连贯,也起到关键性的作用。
  演唱上要求做到气息与共鸣的统一连贯,吐字精准,法语歌词咬字要准确,不能过于夸张,母音状态演唱到位,可以达到更好的诠释出这首抒情的艺术歌曲。
[硕士论文] 闫炜玮
音乐 延边大学 2017(学位年度)
摘要:这部《单簧管协奏曲》是美国著名单簧管演奏家班尼·古德曼委托科普兰创作的单簧管作品,于1948年完成,是科普兰唯一创作的单簧管协奏曲。这部作品属于单乐章的协奏曲。它在巧妙运用爵士节奏的基础上,融入了巴西民谣与美国通俗音乐的元素,而且在配器和作品结构方面都具有鲜明的特征,这些也正是《单簧管协奏曲》成为20世纪单簧管代表作品的主要原因。
  本文从研究目的与意义、研究现状、研究方法及内容进行了总结和调查出发,系统的对这部作品进行研究。首先以科普兰《单簧管协奏曲》的创作背景和作者生平为查阅线索,并对科普兰的音乐创作与风格进行了研究。其次,对《单簧管协奏曲》进行作品分析,内容包括曲式分析、节奏分析及和声分析的角度进行细致研究。最后,以《单簧管协奏曲》的演奏技巧进行研究分析并得出总结,其内容包括气息的运用、节奏变化、滑音的演奏技巧。在练习长音时,要按照体系来进行。与此同时,练习的过程中还要注意音色、音质;在节奏掌握方面,尽量看总谱更有助于熟悉的掌握节奏,大多数的节奏转换是与伴奏相同的。练习的时候尽可能放慢速度,有助于更熟练的掌握;在前期练习滑音时,要靠手指进行辅助练习,使音色会出现半音向上滑行的举动变化。滑音最主要的部分还是依靠口腔(上颚部),口腔内的气压改变就会产生滑音的效果。
[硕士论文] 蔡雪斐
艺术学理论 郑州大学 2017(学位年度)
摘要:韩国流行音乐(Korean-Pop)是一种起源于韩国的音乐种类。从一开始在本土的盛行,到在亚洲市场掀起大规模“韩流”风潮,再到今天在世界流行音乐领域中占有不可小觑的地位,韩国流行音乐用了20余年完成了从本土走向世界的华丽转身。如今的韩国流行音乐已经形成比较成熟的产业链,相比较下,中国的流行音乐也一度十分辉煌,但目前中国的流行音乐的发展却不尽如人意。对韩国流行音乐的发展历史及现状、以及韩国流行音乐现如今依旧盛行的原因进行分析与思考,借鉴韩国流行音乐发展中的亮点之处,可以对中国流行音乐的进一步发展做出贡献。
  本文主要包含绪论、正文和结语三个部分。其中,绪论简要介绍了目前国内外关于韩国流行音乐发展历史与现状的基本研究情况、研究意义以及本文的研究思路与方法等。结语部分总结了韩国流行音乐的发展现状,和中国流行音乐的发展前景。正文三章分别论述了韩国流行音乐的发展历程,韩国流行音乐盛行的原因以及韩国流行音乐对中国流行音乐发展的借鉴意义。
  第一章以时间为序,梳理了韩国流行音乐的发展历史,大致可分为萌芽——兴起——盛行三个阶段。
  第二章分析了韩国流行音乐盛行的原因。主要原因包括娱乐经济公司成熟的商业化运作、音乐市场规范且严格的竞争机制、韩国流行音乐自身的特点以及政府的支持等。其中娱乐经纪公司的商业化运作可以分为前期筹备、产品制作、包装宣传三个阶段;音乐市场严格的竞争机制体现在歌曲网络点击率与实体销量竞争、电视台音乐打榜节目竞争以及兵役制度下流行音乐艺人的高频率更新换代三方面;韩国流行音乐自身的特点包括试听内容的多样性、热门旋律的可传播性、舞蹈关键动作的可模仿性等。同时,这一章节也谈到了韩国流行音乐在盛行背后所存在的缺陷。
  第三章首先以时间为序总结了中国流行音乐发展史,然后提出了中国流行音乐市场现今存在的问题,最后探讨了如何借鉴韩国流行音乐发展进程中的优点从而进一步推动中国流行音乐的发展。
[硕士论文] 付婷婷
艺术学理论 贵州师范大学 2017(学位年度)
摘要:二十世纪初的法国是动荡的,两次世界大战都让其元气大伤。随着科学带来的发展,越来越多的常规被打破。也因科学的发展,两次世界大战带来的破坏都是毁灭性的,由此科学的观念也变得不再那么的深入人心。具有破坏性的消极的思想开始出现,与此同时影响着艺术的其他领域。二十世纪初的法国音乐,一度沉浸在印象主义音乐的氛围中,因为观念的分歧就此发展出了其他的音乐风格,例如新古典主义、序列主义等等。弗朗西斯.普朗克(Francis Poulenc)作为法国二十世纪重要的作曲家、钢琴家,在这个新音乐凸起的年代,始终坚持着自己的创作风格。
  任何音乐作品总是在相应的历史背景和文化环境下产生,本文在查阅和梳理已有文献的基础上,对二十世纪上半叶法国的文化环境、音乐环境、历史环境进行历史背景的阐释。同时再通过大量的读谱,研究普朗克的音乐风格。借着对普朗克钢琴作品音乐风格的进一步论述,同时总结出普朗克音乐作品受到忽视的原因。更希望通过对普朗克钢琴作品音乐风格分析全面的理解普朗克的音乐风格,达到一定意义的推广作用,让更多的人认识普朗克的音乐。
[硕士论文] 张成
音乐 上海师范大学 2017(学位年度)
摘要:随着19世纪西方音乐文化中浪漫主义音乐风格的形成,钢琴音乐进入了一个全新的鼎盛时期。弗朗茨·舒伯特作为19世纪初浪漫主义音乐的先驱和浪漫主义音乐的奠基人之一,在其创作的钢琴小品当中最早出现了浪漫主义特有的题材、形象、情绪风格和特点,尤其在1827年创作的即兴曲,突出的表现了其浪漫主义抒情风格,并深刻的影响了后世浪漫主义音乐家的创作。
  本论文由绪论、正文和结论三部分组成,绪论介绍了选题缘由与意义、国内外研究现状。正文共包括四个章节,第一章基于现有文献的整理与梳理,对作曲家舒伯特的生平、创作及作品即兴曲《op90》的创作背景进行了阐述;第二章是浪漫主义初期钢琴小品作品创作观念上新颖独特有了自己的认识;第三章从音乐本体进行分析;第四章从演奏技法进行了分析说出了自己的见解。
  本文立足于舒伯特钢琴即兴曲《op90》,通过对其生平及所处时代背景的整理,分析钢琴即兴曲的创作特征,阐明自己的演奏体会,旨在对舒伯特这位伟大作曲家给予更为完整、辩证看待的同时,进一步挖掘即兴曲所蕴含的浪漫主义音乐风格,通过自我的演奏体会,达到音乐内涵与演奏技巧的完美统一与升华。
[硕士论文] 姜可
音乐与舞蹈学 西南大学 2016(学位年度)
摘要:阿伦·科普兰(Aaron Copland,1900-1990)是20世纪最有代表性和影响力的美国作曲家之一,他毕生致力于创造和发展美国风格的音乐。在音乐创作上,科普兰将欧洲音乐的作曲技法极好地同美国各种民间音乐素材融合在一起,他的音乐既保持着美国音乐多元化的特点又展现了20世纪现代作曲技法的特征,同时广泛吸收各音乐流派的方法和长处,创造出属于自己的独特的个性音乐语汇,同时他的创作也反映出美国专业音乐半个世纪以来的发展趋势和走过的道路。
  《钢琴奏鸣曲》创作于1939-1941年间,这一时期处于科普兰创作生涯中的“实用音乐”——戏剧音乐时期,科普兰在这一时期创作了很多实用音乐和戏剧音乐,如《林肯肖像》、《小伙子比利》等为大众所熟知的代表作品都创作于这一时期,《钢琴奏鸣曲》是这一时期创作的唯一一部较为艰深而严肃的无标题纯音乐作品,作品极具20世纪个性化的音乐特点,音乐的和声、节奏、音高组织关系等各方面都别具特色。《钢琴奏鸣曲》于1941年10月21日,在阿根廷的布宜诺斯艾利斯由科普兰本人首演。
  笔者对科普兰《钢琴奏鸣曲》的分析研究主要着眼于音乐本体本身,对作品的曲式结构、主题动机发展、和声、节奏等几大主要构成要素进行系统全面的分析梳理,从部分到整体、由微观至宏观、对音乐的创作技法特点进行提炼,从而理解作品的创作风格和特点。
  论文由绪论、正文、结语、参考文献等几个部分构成,正文中把作品的创作背景、结构特点和技法特征等几个方面进行深入探讨。正文部分分为五个章节。第一章主要概述了科普兰的生平与创作分期,以及《钢琴奏鸣曲》的创作背景;第二章主要分析了作品各乐章的曲式结构特点;第三章中分析了作品的主题动机的特点以及主题动机在全曲的贯穿发展手法;第四章对作品的调式调性及和声技法进行分析;第五章介绍了作品在节奏上的特色。通过这几个章节的音乐本体分析进行《钢琴奏鸣曲》创作技法探究,从而一窥科普兰的音乐创作的特色。
[硕士论文] 何芮洋
音乐与舞蹈学 西南大学 2016(学位年度)
摘要:普罗科菲耶夫是前苏联最有影响力的作曲家和钢琴家之一,在他的作品中表现出了十分鲜明的音乐个性,并成为二十世纪前苏联杰出但具有争议的作曲家之一。
  《D大调第二小提琴奏鸣曲》创作于1943年,乐曲曲风抒情而优雅,同时也欢快而活泼。普罗科菲耶夫在战争时期创作出这样一部作品,反应了他超脱世俗,希望和平赶快来临的美好愿望。在作品的创作过程中,普罗科菲耶夫使用了独特的抒情句式、特殊的调式和声,这些都表现了《D大调第二小提琴奏鸣曲》与众不同的创作特点。
  本论文共分为三章。第一章介绍了本论文的研究目的、方法与价值以及国内外相关文献的现状。第二章对《D大调第二小提琴奏鸣曲》的创作背景及作者普罗科菲耶夫作了相关介绍,并针对作品在音乐表现上的特征,体现出对任何作品的结构分析,到最后都是为音乐自身而准备的,在一系列探究下,试图总结出普罗科菲耶夫在创作时音乐风格方面具有的各种典型性。第三章对《D大调第二小提琴奏鸣曲》第一乐章到第四乐章,从曲式、主题动机材料、和声、复调等方面对其做分析探究,并试图归纳出这首作品的继承性和创新性特点,并在分析作品创作背景和音乐特征的基础上,进一步诠释普罗科菲耶夫奏鸣曲创作的特点,为进一步深刻认识和分析普罗科菲耶夫的创作特点与这部作品在普罗科菲耶夫作品中的意义与作用打下了扎实的理论基础。
[硕士论文] 闫烁
音乐与舞蹈学 西南大学 2016(学位年度)
摘要:提及法国音乐,人们常以Romantic来形容,独具浪漫色彩,然而这里的浪漫是一种抽象的概念,指的是风格,是在法国自然环境及人文环境双重作用下孕育出的高雅气质,而非浪漫主义。手风琴自19世纪由意大利传入法国以来,它朴实而又迷人的音调始终深受法国人喜爱,历经一百多年的发展,手风琴音乐逐渐成为法国音乐的特色之一。20世纪以来,随着全球一体化的进程,经济飞速发展,人们寻求精神世界的脚步越来越快,各个国家开始支持发展手风琴事业,越来越多的手风琴作曲家致力于创作出优秀的手风琴作品。弗兰克·安吉列斯是法国著名手风琴作曲家、演奏家、教育家,他的创作技法灵活、体裁多变、风格迥异,其作品渗透着法兰西的浪漫气息。他的许多作品曾多次作为手风琴世界级大赛的指定曲目,如《音乐会组曲》、《浪漫曲》、《绝境》、《音乐闹钟》等。
  本文选取安吉列斯《音乐会组曲》进行分析研究,通过该作品中的浪漫元素,探索安吉列斯多变的创作风格的源动力以及影响创作风格的因素,从而初步了解当代法国手风琴音乐的特色以求更好的应用于演奏中。同时,希望能为更多喜爱安吉列斯手风琴作品的爱好者和同专业人才提供理论或技术上的参考,为中国手风琴多元化之路的建设添砖加瓦。
  文章共分为四个章节进行论述。第一章为安吉列斯音乐创作的浪漫探源。第一节概述法国手风琴发展历程,从法国不同时期对手风琴采取的政策的角度探究手风琴在法国得以发展的原因;第二节和第三节分别论述了法国自然环境和文化特性对手风琴音乐的影响并探究法国音乐浪漫风格的形成原因。第四节通过概括法国沙龙、Musette音乐以及香颂音乐的特征对手风琴的影响,探究法国手风琴音乐的特殊风情。最后一节通过对安吉列斯及其作品进行梳理,总结了其浪漫风格的主要特点。第二章对安吉列斯手风琴作品创作特色及《音乐会组曲》文本分析、作品的创作源泉及影响因素。前三节通过探究安吉列斯创作中的现代音乐元素、舞蹈化元素和非本土化元素,挖掘安吉列斯的创作特色,同时论证其创作中的浪漫性。第四节以安吉列斯《音乐会组曲》的分析作为基础,深入挖掘各个乐章中的浪漫特征,从而更好地解读安吉列斯作品的浪漫风格特征。论文第三章内容为《音乐会组曲》演绎中浪漫特征的把握,从演奏的角度进一步分析作品的表演过程。第四章解读安吉列斯创作中的浪漫特征植根于法国“共和模式”下,立足于法国“共和模式”政策剖析安吉列斯创作中的浪漫特征。
[硕士论文] 朱慧洁
音乐与舞蹈学 南昌大学 2016(学位年度)
摘要:斯克里亚宾是一位兼具演奏与创作天分的作曲家。他的钢琴作品在二十世纪初期的钢琴作品中占有重要地位。斯克里亚宾的音乐风格不同于俄国传统民族音乐,他的音乐语言是属于西方浪漫派时期的,早期作品无论是在体裁还是创作技法上都承袭肖邦、李斯特等浪漫主义写作风格。中期以后开始发展出他自己独特的和声语言,并受尼采和神秘主义哲学的影响,音乐开始呈现神秘氛围。
  本文分为绪论、斯克里亚宾中期钢琴创作背景、中期钢琴创作特征、《两首音诗》Op.32的音乐特征、演绎研究及结语等六个方面,探讨斯克里亚宾中期钢琴的创作特征与风格,以他《两首音诗》Op.32为例,研究其曲式、和声、节奏等音乐特质,并且通过自身的演奏实践让演奏者在演奏作品时提供一些理论资源及实践参考。
[硕士论文] 王彬
音乐与舞蹈学 青岛大学 2016(学位年度)
摘要:本文选择德国作曲家罗伯特·舒曼(Robert Shuman,1810-1856)的声乐套曲《诗人之恋》(Dichterliebe)作为研究对象,是因为舒曼的艺术歌曲广泛流传,其创作风格与舒伯特有相似之处,但在旋律、和声、钢琴伴奏等方面又处处彰显着创新和发展,他是西方音乐史上具有传承创新精神的重要人物。而声乐套曲《诗人之恋》是舒曼在“歌曲之年”创作的一部经典作品,其艺术歌曲创作的独特风格淋漓尽致地展现在这部套曲中。本论文以《诗人之恋》为切入点,通过对其音乐本体进行细致的分析与研究,归纳总结出舒曼艺术歌曲的创作风格,避免了与国内重点分析舒曼艺术歌曲演唱和伴奏的研究方向相重合。
  本研究分为四个部分:第一章“舒曼及其艺术歌曲”从作曲家的家庭背景和艺术歌曲创作入手,了解舒曼的音乐创作经历和主要音乐作品;第二章“《诗人之恋》的来源与创作”介绍《诗人之恋》的文学创作背景和音乐创作背景;第三章“音乐本体分析”从旋律、调性、和声、曲式结构及节奏等方面入手,对套曲中16首艺术歌曲进行音乐本体分析,总结归纳出舒曼艺术歌曲的创作风格;第四章“舒曼的音乐美学思想”从诗、乐、情三者的结合方面探究《诗人之恋》中的“感情论”。
[硕士论文] 高雅
音乐与舞蹈学 西南大学 2016(学位年度)
摘要:一直以来,大提琴都在管弦乐队中扮演者不可或缺的角色,因为大提琴优美的音色以及醇厚的低音,满足了很多意大利早期的作曲家对于重奏的需要。一直到十七世纪,才开始出现专门为大提琴创作的音乐作品,自此之后,就开始陆续有作曲家专门为大提琴创作音乐作品,但在创作之初都是模仿小提琴协奏曲为大提琴创作。后来,慢慢的也相继出现了意大利风格的大提琴协奏曲,以及其他类型的作品,大提琴的演奏技巧也日渐完善。到了古典主义时期与浪漫主义时期,海顿、莫扎特、贝多芬、德沃夏克、柴科夫斯基等音乐家,也创作了大量有关大提琴的作品,如大提琴独奏曲、大提琴协奏曲、大提琴室内乐等等。这些作品的创作使大提琴的演奏技巧与乐器表现形式得到了更大程度的发展。到了十九世纪,尤其是十九世纪后半叶,大提琴的独奏作品得到了很大的丰富,但是这些作品很多都是著名的作曲家在创作的,而不是专业的大提琴演奏家。本文中染指的第一大提琴协奏曲作者恰好就是一位杰出的大提琴演奏家兼作曲家,他把创作和演奏融为一体,使十九世纪的大提琴音乐得到了重要发展,也为世界大提琴史书写下了浓重的一笔。
  第一大提琴协奏曲由俄国作曲家卡尔·尤利耶维奇·达维多夫所作,他同时也是著名的大提琴演奏家。他所创作的第一大提琴协奏曲,在19世纪大提琴音乐的创作史上占有重要的地位。达维多夫的大提琴协奏曲与同为俄国大音乐家的柴可夫斯基大提琴协奏曲同样出彩,但是他的作品本身具有非常鲜明的达维多夫特色。比较遗憾的是,他的作品在当时一直都没有受到足够的重视,一直到近代才被挖掘出来,在演奏和理论研究中凸显出它的地位和成就,它对于大提琴音乐发展方面的影响却是不容忽视的。作品独特的音乐风格,高难度的演奏技巧,以及蕴含的丰富的人文内涵,都使它成为大提琴作品中的佼佼者。
  文章在结构上分为四部分,第一部分通过对达维多夫的生平介绍,以及第一大提琴协奏曲创作背景的介绍,为后面详细写第一大提琴协奏曲做一个铺垫。第二部分通过对作品中结构、音乐、伴奏织体以及主题发展的相关分析,总结第一大提琴协奏曲的创作特征及其艺术特色。其中,音乐方面的分析主要从旋律旋法、作品的调性布局、节奏特征和速度力度的掌控等方面深入分析;第三部分从速度的处理、华彩乐段的处理以及演奏技法,分析协奏曲的演奏特征。第四部分分析第一大提琴协奏曲的文化成因,进而对大提琴协奏曲文化价值、审美价值与历史地位进行综合评价。
[硕士论文] 高丽琴
音乐与舞蹈学 河北大学 2016(学位年度)
摘要:钢琴套曲《版画集》是法国著名作曲家德彪西的扛鼎之作,作曲家对这部作品的创作始于1903年,在历经了11年后问世。正是这部作品的问世才真正开启了印象主义钢琴音乐审美的里程碑。其实,印象主义音乐的产生与发展在一定意义上说就是浪漫主义音乐后期发展的结果,在某种程度上讲也就是正统的浪漫派音乐异化为非主流性新风格的一种突现,是浪漫主义音乐向现代音乐过渡的桥梁之一,是联结19世纪与20世纪的纽带。
  钢琴套曲《版画集》作为开启印象主义钢琴音乐审美的里程碑,具有非凡的审美研究价值。(一)从文化审美上看,它是象征主义文化思潮与印象主义意象审美的完美熔铸;(二)从创作审美的角度分析,其音乐语言迥然相异于传统手法:如独特的不具经典曲式意义的音乐结构方式,典雅、简洁、细腻的音乐展开技术,精雕细刻的似是而非的调性布局以及色彩斑斓的非传统意义的和声语言,再加之以五声性音阶的音调,又使其焕发出迷人的东方色彩而令人称绝。用“色彩性”来表现大自然的色调、明暗、层次、强弱等感官效果的印象主义创作手法是其创作审美的核心;(三)从演奏表现来看,其审美意义主要凸显在不拘一格的触键方式和多样化的踏板运用。
  钢琴套曲《版画集》作为印象主义音乐的代表作,对于印象主义音乐风格的确立和审美定位,有着举足轻重的历史地位。作曲家德彪西以不同的审美机制,独特的创作思维和大胆的创作技法向世人展示了新鲜的音乐创作与艺术表演,因此,钢琴套曲《版画集》在钢琴音乐史上占据着非常重要的地位。
[硕士论文] 李春俊
音乐与舞蹈学 河北大学 2016(学位年度)
摘要:伴随着物质生活改善的状况下,人们的精神生活也迫切要求有所改善。对美国的文化事业发展状况而言,动画产业的发展已经成为文化事业的代表之一。与美国其他充满多种族文化色彩的产业不同,动画产业的发展是以统一的轻松状态以及和谐画面让观众在身心和文化层次上获得放松和提升,当然这些画面的深层用意是来体现人生的体验。美国的动画文化能够推广并且繁盛在多个国家,技术上的不断提高和娴熟和商业的推动是重要的原因,但与此同时美国动画背后所渗透的美国人文涵养也不能忘记。通过动画产业发展的成品变化看到的是美国文化发展中惯用的多种体裁和元素的帮衬。
  经济腾飞的背景为文化的发展奠定了更加坚实的基础,作为美国众多文化的代表之一,动画产业的发展关乎着美国文化的发展走向,纵观世界范畴的动画产业,尽管纷繁多貌,但美国动画的一枝独秀是有目共睹的。与日本动画中善于表达细腻的人物形象和引人入胜的情感发展不同,美国的动画更注重通过时尚的人物形象来展现幽默诙谐的画面效果。尽管动画发展中所偏重的感觉和内涵不同,但这其中还是存在着共同的创作理念,那便是对动画片的配乐处理。动画音乐的存在是通过音乐的艺术来衬托或者加深画面的表达能力,音乐与影片画面的共同配合,使音画的表现展现出更多的艺术魅力。也就是说动画片的成功与否,其中配乐的选择和使用有着直接的联系。音乐和动画是两种类型的艺术文化,但这两者的背后都会蕴含意义和承载情感。而将音乐和动画结合起来,则是采用叠加效果来深层表现。音乐与动画的共同发展,目的是为同一个情感变化和主题思想得以加强。
  本文正是以美国的动画文化中配乐制作理念作为研究对象,通过对美国动画文化的发展和历史进行梳理来对动画文化有基础性的认识,然后对美国动画文化中经典配乐进行梳理和具体的形态分析来看美国动画中是如何使用配乐来推动动画产业,最后对美国动画中使用的配乐所蕴含的人文文化相联系,从而完成美国动画文化所显现的配乐理念一系列相关问题的探讨。
[硕士论文] 唐超
音乐与舞蹈学 沈阳师范大学 2016(学位年度)
摘要:约翰奈斯·勃拉姆斯(Johannes Brahms,1833-1897)是德国著名的浪漫派音乐家、作曲家、钢琴家。在他的作品创作中既运用了古典的创作手法又充满了浪漫主义的精神,是19世纪浪漫主义作曲家中运用古典思维作曲的最后一人。勃拉姆斯一生创作了许多艺术歌曲,体现出其独具特色的创作风格。本文以勃拉姆斯的声乐套曲《吉普赛之歌》为材料,对他的音乐创作做了系统全面的分析,并尽可能的将作品中所蕴含的重要创作特点进行系统性的研究和梳理。
  本文由四个章节构成:
  引言:本章主要对论文的选题、国内外研究现状、论文研究内容做了详细的阐述。
  第二章:勃拉姆斯生平与声乐套曲《吉普赛之歌》
  本章首先对勃拉姆斯做了简要介绍,接着介绍了他对艺术歌曲的创作概况和《吉普赛之歌》的创作背景。
  第三章:《吉普赛之歌》的音乐分析
  笔者从音乐的表现形式、曲式结构分析两个方面对声乐套曲做系统的分析与研究。
  第四章:《吉普赛之歌》的创作特点
  本章从套曲中音乐形象的塑造、调性、和声、钢琴伴奏织体、旋律音型五个方面总结这部套曲的创作特点,更为细致、深刻的分析这部作品。
  结语:通过对《吉普赛之歌》的研究,总结了勃拉姆斯音乐创作的特点,进一步升华文章。
[硕士论文] 李丽娟
音乐与舞蹈学 河南大学 2016(学位年度)
摘要:弗朗兹·李斯特(Franz Liszt)作为十九世纪浪漫主义杰出的钢琴演奏家和作曲家,为后世留下了大量宝贵的音乐财富。在他众多的钢琴作品中,数量过半的钢琴改编作品更显得光彩夺目。李斯特将门德尔松的七首艺术歌曲改编成钢琴小品,以这套编号为R217. SW547的作品向门德尔松致敬,并将其作为自己音乐会曲目进行演出。这七首作品包含大量李斯特独特的作曲手法,虽不是整篇幅使用高难度技巧,却依然处处可体现他的精妙构思和独特想法,从作品结构、音响、织体、技巧等许多方面透露了作曲家在钢琴改编曲中独特的见地,为后世歌曲改编提供了优秀的范例。
  本文以李斯特《门德尔松七首艺术歌曲》改编曲为研究对象,从改编背景、演奏手法、和艺术价值三个方面进行研究,重点阐述李斯特对这一钢琴改编作品的演奏手法。文中对李斯特创作改编曲的内外因素进行了深入分析,从而得出李斯特创作钢琴改编曲是与当时各类艺术家、广大听众以及自身性格和对作曲家的喜好密切相关的。文章的重点是通过谱面和技法两个方面解析这部作品中李斯特改编曲的演奏手法,从篇幅结构、织体形式、表情与力度记号、音响广度和厚度以及三行谱的运用中观察出李斯特独特、新颖的艺术表现手法,以及他与门德尔松在作曲方法和表现技术上的差异,其中涉及艺术歌曲与钢琴独奏曲表达形式的不同;李斯特对音阶快速跑动、双音奏法、旋律线条和层次的变化、装饰音、大跨度音程以及托卡塔式的双手交替演奏等技法的运用,体现了他作为“钢琴之王”所具备的超群绝伦的音乐构思和演奏技巧。李斯特除了拥有广博的音乐知识,对其他艺术形式也有着强烈的好奇心,他精通文学诗词,因此对艺术歌曲这种带有歌词表达的音乐形式充满兴趣,他改编过的艺术歌曲涉及舒伯特、门德尔松、肖邦等许多艺术家的作品,其中对舒伯特艺术歌曲的改编数量最多,对门德尔松作品的改编目前只有这七首。正是因为这样,通过对这七首作品的研究,我们可以从一个独特的视角观察李斯特钢琴改编曲,分析门德尔松与李斯特在作曲手法上的异同。
  李斯特的作品以技巧的精妙繁难、音色的华丽张扬和情感的真挚动人见长,笔者通过自身对这套作品的学习,加强了对李斯特以及其改编曲的了解,对浪漫主义时期钢琴音乐的表现手法有了新的领悟,笔者希望通过这篇论文为后人的研究提供可借之鉴。
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