摘要：作为20世纪重要的艺术史学家，阿诺尔德·豪泽尔对艺术社会史的发展具有开创性的作用，他建构了完整而丰富的艺术社会史研究方法，深刻地影响了艺术史的发展，然而他的这些贡献长期被主流艺术史学界所搁置，这其中有诸多原因，除了意识形态的争论和方法论的差异之外，豪泽尔本身的理论架构也存在诸多缺陷，但这并不影响他在艺术史领域的开拓者身份。20世纪以来，特别是二战以后，一批艺术史家开始转向对影响艺术家和艺术作品的因素和社会关系的研究，以期架构另一个层面的艺术史，而阿诺尔德·豪泽尔就是其中的重要人物。本文拟从阿诺尔德·豪泽尔存世的重要著作出发，系统地梳理其学术观点和研究方法，通过艺术史学界对他的评价以及本人对这些评价的回应和修正，来还原豪泽尔本人艺术社会史研究的重要意义和对当代艺术研究的反思。

摘要：“梦”是潜意识的信息整理，是片段式的视觉、听觉、触觉等多种感官体验，是一种思维意象的表现。目前对“梦”的研究大多从心理认知和哲学思想出发，以文献和记录的形式居多，但视觉信息对潜意识的表现方式较为匮乏，艺术装置形式的参考资源更少。
　　本文从视觉信息和潜在心理的角度出发，以“梦”作为研究对象，通过实验影像和分形艺术的表现手法，体验式互动装置的传播形式，探讨科学与艺术相结合的数字媒体艺术对人心理活动的可视化表达以及向心求索所能够带来的革新和现实意义。

摘要：气味本身与我们生活的关联会在不同的时刻被很多人揭开点破。因为气味虽有时间性，它留下的感受却可以转化为一种情绪的记忆，当它再次出现，又能击中神经。漫长的美术史产生的经验已经使视觉的表现和欣赏方式极度完善和成熟，与之相较，对于嗅觉这一感官系统中大量的原发而不可控性进行有选择的控制，将其转化为传达与接受观念的媒介或是协调其他感官给艺术的感知方式一个新的角度，极具意义。而人在嗅觉与视觉经验上的巨大差异导致在嗅觉世界中有太多描述不清的体验和感受，这也涉及到一个嗅觉教育和学习的问题，面对艺术与生活中的诸多感知方式，嗅觉似乎是造物者的不良设计？气味是依附于空间的，空间作为意义的创造者，需要对观众负责，嗅觉的学习从某种程度上说是有必要性的。基于我个人对嗅觉的独特关注，希望能对嗅觉、气味的学习方法以及艺术上的媒介表达做出一些有价值的探索，从而丰富并更加完整我们的感官世界。

摘要：本研究是以公共艺术作为一种社会治疗方式，运用在特殊儿童的生活环境的改造上。然后以田野调查的方式进行检验，实验证明:特殊儿童对艺术的热爱和普通的孩子是一样的。他们对于抽象的理解也超过笔者的预期。在针织艺术、新媒体公共艺术和表演艺术出现后，这些特殊儿童给与了很大的热情，对他们的身心起到了正面的影响。这种非语言的治疗，能够让儿童在参与艺术的同时释放自己的情感，增强自信心，锻炼社交能力，起到治疗身心的效果。
　　笔者通过这项研究试图设计出针对特殊儿童行之有效的公共艺术的社会治疗方式。在特殊儿童这个群体正在不断扩大的当下，笔者希望能运用自己的专业知识对特殊儿童的康复起到一定作用，并为今后特殊儿童康复空间的设计和改造提供一些借鉴和参考，让大众增加对公共艺术的投入，提升对特殊儿童的社会支持水平，帮助更多的特殊儿童。

摘要：中国当代波普艺术是在特定文化语境下发展起来的，成为中国当代艺术中绕不开的话题，这是因为波普艺术的学理具有一定的特殊性。另一方面，在视觉艺术大众化的今天，波普艺术的政治性和强烈的意识形态性逐步淡出人们的视野，成为消费艺术和商业文化的组成部分之一。中国当代波普艺术与文化语境的关系形成了两条主线:一是中国当代波普艺术与文化语境的适应性关系，二是中国当代波普艺术在文化语境中的特殊性关系。这两种关系既具有一定的人文精神意蕴，同时具有特殊的商业性和大众艺术的模仿性，影响了大众审美趣味和市场消费的需求与发展。
　　本文从四个方面进行研究与探索，具体方法和创新都包含其中。
　　首先，对涉及到波普艺术的有关概念、时间和艺术表现形式进行了梳理，对中外波普艺术的形式、题材和历史流变进行了剖析。在课题研究中，把波普艺术的历史流变作为理论研究的基础。第二章对中国文化语境的进步与发展剖析了中国当代波普艺术发展的轨迹，提出了对中国文化语境是否适应其发展的质疑。从波普艺术的形式来看，有别于传统的架上绘画，而波普艺术在视觉文化大众化的当代中国，其艺术形式与社会生活的融合成为一种可能与现实。在视觉文化与社会之间密不可分的情势下，波普艺术不仅要表达了艺术家独特的人文精神，同时也融入到艺术大众化和文化娱乐化之中，这也是中国当代波普艺术从艺术形式上的极大转变，使长期受传统精英文化所形成的对艺术崇高理念的共性追求，转向为艺术家个体风格和艺术大众化的挖掘和展现。第三章阐述了波普艺术在文化语境中的特殊性，从理论上和艺术实践中梳理了当代社会对高雅艺术和大众艺术之间的特殊关系。随着社会的进步与经济发展，私人收藏和个人对艺术品的需求，带动了工业化对艺术品的批量生产，从而满足了大众的消费需求。在文章的最后，从中国当代波普艺术的美学特征中，探析波普艺术与消费者之间所形成的一种平衡关系，而取得这一平衡的内在动力是其蕴含的文化价值与社会影响。

摘要：在工业设计过程中，图解思维表现为设计师通过手绘草图方式进行问题思考，其思考过程是各种抽象概念和形态图像交替的过程，顿悟则是其交替产生的结果。顿悟的出现使设计师从模糊无解的状态到清晰有解的状态，并帮助设计师快速掌握问题关键，产生新的方案。因此研究顿悟则是对图解思维的进一步探索，将有助于设计师高效完成设计任务。本文将采取实验的方法，结合行为学和脑科学，分析当顿悟发生时的行为表现以及大脑的各个电极信号之间的相干性，更加深刻的了解设计顿悟的认知现象。并应用所得出的研究方法对比不同设计经验的设计师在顿悟发生时的大脑活动差异，探讨其差异所伴随的行为，并以得出的结论指导新手，使其更快的步入设计行业。
　　第一章介绍了图解思维过程中顿悟的意义和顿悟的相关研究现状，发现由于顿悟在设计过程中的不确定性和模糊性，使其在设计领域中研究较少。但在设计过程中，尤其是图解思维过程中，顿悟以灵感闪现的方式帮助设计师打破思维僵局，推进设计进程，使设计师更高效的完成设计任务。因此研究顿悟，是对设计认知行为的进一步探索。在此之前了解相关的理论概念将有助于后续的研究。
　　第二章介绍了EEG相干性的概念和相干性系数所反映的不同认知活动，以及EEG相干性在认知研究中的应用和用于顿悟研究的相关理论探讨。脑电技术有很多研究方法，对于顿悟来说，大多数学者是对心理学上的顿悟进行解释，并且多以ERP这种方法探索顿悟，而EEG是在采集的全部原始数据基础上的分析，分析的数据比较全面，相对于ERP包含更多的信号信息。根据相关文献的阅读与研究，EEG相干性能探索不同认知活动在同一频段下的不同脑区的电极信号活动差异，应用此方法能够从定性定量层面对顿悟进行解释。因此本章节重点是理清相干性在认知研究中的应用，并提出EEG相干性用于顿悟的研究假说。
　　第三章主要通过实验的方式，结合行为学分析结果对应脑电数据探讨设计顿悟的EEG相干性。本章节分为四个部分。第一部分为实验的设计和数据的采集。包含实验内容、实验流程以及被试选择等，实验将同时收集行为数据和脑电电极信号数据。行为数据是对顿悟进行行为提取来确定顿悟的发生，作为脑电数据处理的依据。而脑电电极信号的采集则作为后期EEG溯源和计算相干性数值的基础。第二部分为顿悟行为点确定。通过回溯和设计行为分段，将设计过程中的所有行为进行关联性分析和解释，以确定顿悟的产生。第三部分将对顿悟进行溯源。通过行为点的确定对应到脑电数据中，以获取设计过程中发生顿悟时所激活的大脑区域。第四部分则通过溯源结果，分析被激活的脑区内的电极信号的相干性，通过感兴趣电极对在不同频率下的相干系数，探索顿悟发生时的大脑认知的加工差异。从而深入了解顿悟认知现象。
　　第四章是对前三章节所探讨的理论与方法研究做的一个对比实验应用。以不同设计经验的设计师作为研究对象，分析其在设计经验、认知水平、专业知识上的差异，并设计相关实验获取行为数据和脑电数据，同时解读行为上的差异与脑电相干性差异的关联，并得出结论。
　　第五章是本次研究的总结和展望。本次课题研究的核心是通过脑电技术探索设计认知中的顿悟现象。将顿悟的主观不确定性的认知行为从定性和定量两方面进行探索和研究，这是结合心理学的知识探索工业设计领域中顿悟行为的一次分析方法的尝试，并且收获了部分相关结论。但对于设计顿悟的研究还需要更深入的探讨，希望在未来的研究中，本次的实验过程、研究方法以及研究结果能够作为一个参考，使更多的研究者继续探讨设计顿悟的相关认知活动研究。

摘要：进入21世纪，中国当代艺术也开始步入艺术体制全面建设阶段。在此情境下，“艺术体制与艺术创作主体生成”成为重要的研究课题。“四川美术学院青年驻留艺术家计划”作为国内首个以学院为主体的青年艺术家扶持计划，在学院体制内建立了一个能够自主运行的艺术小“圈子”，正是“艺术体制与艺术创作主体生成”研究的鲜活样本，所以对“四川美术学院青年驻留艺术家群体”研究有极其重要的意义。
　　本研究分为四个部分：第一章介绍了国内外相关的研究现状；第二章通过梳理川美驻留艺术家计划的制定及实施来讨论场域的缘起；第三章通过对川美青年艺术家驻留群体的人员构成、群体生态、创作面貌进行场域的构建分析；第四章从“对于青年艺术家生成的意义、艺术体制建设的实验、驻留计划的反思”三个方面思考场域生发的意义。

摘要：当代艺术中越来越多的装置、艺术项目的艺术创作及展示出现，这就造成了这样的印象：似乎当代艺术与现代艺术之间就没有任何关系。尤其是“艺术的终结”、“艺术史的终结”这些观念普遍流行的情境之下，使得这样的印象就更为强烈。这些装置、艺术项目的艺术实践----格罗伊斯称之为的艺术档案是当代艺术创作的主要形态，而且如果要依循格罗伊斯媒介理论的思路，我们发现主要创作艺术档案的当代艺术与现代主义艺术这二者之间是存在着联系的。但在格林伯格那里就不是这样，它们是断裂的，没有逻辑上的联系。
　　本研究分为三个部分：第一部分就媒介到底是物理的媒介还是礼物的媒介作一梳理、比较，格林伯格倾向于前者，而格罗伊斯则倾向于后者。第二部分就媒介的开放性与封闭性这一话题，讨论媒介到底是否是纯粹的，以及我们是否需要从审美角度去看待媒介，艺术是否需要具有其审美价值。第三部分谈及媒介的真诚性问题，论证说明艺术之为艺术已从其审美媒介过渡到展示价值。而此展示价值即是展示出媒介的亚媒介空间，对于亚媒介空间的展示这一过程（事件），其本身就是艺术档案。

摘要：现代书法最早出现在上世纪四十年代的日本，它以中国书法为母本，在西方现代艺术理论的指导下产生的。中国的现代书法比日本晚了四十年，它产生于八五新潮期间，在西方现代艺术的冲击下，受到了社会改革与文艺界先锋的多重刺激，以日本现代书法为参照发展起来的。在经历了三十年的发展之后，中国的现代书法已经摆脱了八五时期“现代派”书法的青涩状态。在八五首展之后，书法产生了与古典的传统书法不同形态的发展道路，从对传统书法反叛的象形书法到后现代的观念书法，中国的书法艺术正在经历一场巨大的革命。有人质疑如此无法认读的书法是否还能称作为书法，关于这一点需要深入了解，因为其作为书法的内在逻辑依然是成立的。实际上，也正因为书法认读功能的隐退，让书法能够成为更加自由纯粹的，体现当代文化意志的一门艺术。在现代书法发展的三十年里，已经出现了几种不同的形态，许多不同的派别，出现了许许多多投身于现代书法创作的艺术家，在国际上也渐受关注，现代书法的脚步一旦迈开就无法停下。
　　本研究对现代书法的形成和发展做了简要的梳理，重点从形态和构成元素进行分类研究。在此基础上将现代书法从产生至今出现的作品划分为四种形态，分别为象形形态，表现形态，抽象形态，观念形态。最后，结合现代书法发展的社会背景和理论背景以及形态发展的过程进行梳理，对现代书法的发展做一个相对完整的形态勾勒。

摘要：本文以关系美学提出的后制品艺术发展作为研究方向，在新媒体语境中界定观念剪辑和观念挪用的可能性。特别是对20世纪90年代以来，艺术界开始兼并的一些被忽视或者蔑视的形态为例，作为个案研究，分析观念的剪辑----挪用和重构的演变，而在一定程度上进行归类和总结。
　　本研究首先从艺术创作中创作观念的发展历史开始谈起，讲述从剪辑观念的产生，到观念创作的演变，在新媒体艺术中的价值意义。之后谈到新媒体艺术中受创作观念影响所表现出对技术的追求和创新，反思艺术作品最终作用于观看方式时，从技术表面转变到关注技术背后人与人的关系。由此进入到关系美学对新媒体艺术的解读，探讨关系美学的认识方法，重新建构观看方法去处理新媒体艺术中的非典型案例----后制品。从艺术创作的剪辑观念说起，到创作观念在当下的政治环境和文化背景的发展与转变。就是关系美学在新媒体语境中的生发方式，分析新媒体语境中后制品的表现形式，探索新的审美方式和观看方法。在数字信息时代,新媒体艺术的发展有了很多新的契机,对新媒体艺术中后制品现象的研究将会是深入的了解艺术作品的一个好方法。作品的呈现方式影响观看方式的转变，并且观看作品的方法和途径可以是多重的，现代主义的目的论瓦解给我们带来更多的耐心和热情，去认同现存的意识形态，实践是检验真理的唯一标准，持续发展中的社会为艺术家的持续生长提供丰富的养料。关系美学从实际出发着重探讨的是关于形式的理论，每一件作品都是取材自现实世界的样本。希望对后制品在新媒体中观念的剪辑研究将会为此理论的形成奠定基础,将关系美学的方法论引入到新媒体艺术创作中,将对其有一定的参考意义，为新媒体艺术案例的认识提供新的观看方法。

摘要：1960年代以来至今，当代艺术家以其创作表达了其对社会情境的看法与意识形态，借由观念艺术与社会雕塑的理念，开始挑战传统的艺术生产的模式，艺术离开其无目的性、美学的无利害性，走出与社会脉动隔绝的孤立角色，改变了艺术家与其观众的关系，开始思考如何透过艺术介入社群。本文旨在探讨此过程的发展、艺术创作的观念，以及其所引发的艺术与公众生活之关系的相关议题，以此来反思参与式艺术创作的内容中出现的不同于以往艺术形式的结构问题，实则与当代艺术发展的历史及观念体系息息相关；并期许本文能够提供艺术工作者在参与式艺术的创作途径裡得以更深入地去检视作品本身得以达致美学价值与社会关怀的并重。“社会参与”艺术实践在欧美比较明确的是九十年代出现，二千年之后蔚为风潮。若爬梳历史，英国艺评与学者克莱儿·毕莎普回溯到1920年代的现代主义时期，艺术家对于艺术与社会的想像与实验，例如未来派、达达等；六十代末、七十年代的表演艺术、偶发艺术、激浪派、国际情境主义、英国社区艺术，或是东欧、拉丁美洲等地相关概念的艺术实践等。九十年代，美国芝加哥1993年的“文化行动”展演；1995年出版的《量绘形貌：新类型公共艺术》纵观七十年代以来的艺术实践都展现与之前艺术实践在基本概念上的差异，其中用“连结性美学”称之为现代主义、个人主义之后的艺术样貌。
　　本研究阐述了当代艺术的潮流中“艺术介入社会”其观念体系及产生的时代背景。自1960年代以来艺术家和艺术团体开始渐渐投入其中，在形式上往往以参与性的艺术创作来进行。以艺术介入社会的艺术实践是以社会政治关系，来取代传统艺术材料(如大理石、画布或颜料)进行创作，并且不以传统的物件制造为其创作的目的；从这个角度来看，重点不在物件的形式状态，而在于其中的美学经验，挑战寻常的观念与观者的认知系统。这样的艺术创造过程中也引发了不同社群的对话，并且使观众参与在艺术家的创作过程当中。提出对国外在艺术介入社群的发展的案例及其中出现的有别于传统艺术形式的几个面向的探讨，包括在参与式艺术中视觉上的退场、参与式艺术中作者身份的转换。在这几个方面所呈现出参与式艺术有别于传统艺术形式的不完整。其中视觉地退场谈论有关艺术反物质化后转向一种行为而重塑人与人之间的关系；并且在参与式艺术中作者与观众之间身份的模糊以至于重构一种观看方式。艺术介入社会具体地扩大了艺术影响的范畴，不仅带来了更多艺术的解放和自由、人与人的联结，也打破了艺术与生活的藩篱，使艺术的生产成为社群生活的表达。

摘要：本文研究了中国当代艺术身份意识的转移，通过艺术家的简述及其代表作品分析来思考近40年来中国当代艺术家的身份意识变化现象。20世纪以来中国艺术家对自身身份的焦虑一直从未停息，艺术家们所面对的一个重大问题就是如何确认自己的文化身份。上个世纪80年代，经历了中西融合与新时代的集体主义身份转移的中国艺术，获得的最重要的成果之一就是开始走向世界舞台,也因此，中国艺术家的身份再一次被强调。跨国的艺术交流增强了中国艺术家的身份焦虑，在国际艺术舞台上他们的作品除了呈现先锋、前卫精神外，更加突出的便是“中国性”。带有浓厚本土特色的当代艺术，使中国第一次正式的参与到了全球化的艺术游戏中，并用他们独特的“身份”标签为其在国际艺术界赢得了巨大的关注和掌声。21世纪，网络的快速发展，使得世界各国之间的交流越来越紧密，中国当代艺术似乎正在用“去身份化”的姿态来面对这种始料未及的变化。80、90后的年轻艺术家的文化背景和身份意识越来越模糊，他们关注的是全球化的网络空间和最新的文化潮流，他们采用了形式多样，主题新颖，题材跨界，观念多元的艺术手段来呈现全球共同面临的问题；因此，去掉老一代艺术家所赖以存在的“身份“就成为了一种必然。这种新的身份的转移无疑为中国当代艺术的发展带来了新的焦虑和思考，今天的中国当代艺术是否会越来越远离中国的本土文化，与中国的现实与传统断开联系？这种隐隐的忧虑似乎并非因为有了巨大的艺术资本增值和当今的艺术市场的繁荣而烟消云散。新世纪中国当代艺术貌似发展成了一个近乎于完整的系统，如今却已经很难用西方的传统理论和简单的意识形态来阐释其现状。在这种语境下，中国当代艺术家相比之前更加注重艺术家自身的“个性”，而不是集体的文化归属，也因此，“身份”问题进入了更为微观和更为敏感的层面。

摘要：本文对参与式艺术中的实践现场与传播现场进行了评述。作为一条反思现代性的线索，参与式艺术一直潜藏于现当代艺术发展的脉络之中，并时常伴随着社会运动进入艺术史。参与式艺术的实质在于艺术作为一种文化行动，以参与的形式介入到社会系统的建构之中，于审美、伦理和政治之维形成干预，在不同的存在情境中与问题形成另类对峙，具有话题性和事件性。人与社会关系则构成了参与式艺术媒介与材料的核心。参与式艺术是一种反物化的，去中心的，在地开展的，浸入式的现场性艺术。而这种现场性则是通过实践现场与传播现场来架构的。在实践现场中，审美的主体与客体以及在地性的现场生成是两个主要问题。从杜尚的现成品概念，到博伊斯的“社会雕塑”，通过对场域的界定，审美主体与客体间的界限被打破，社会作为概念上的现成品进入到艺术项目当中。而参与式艺术“在地性的现场生成”，则是让艺术家/参与者在现代性的语境中面对具体问题，在真实的社会空间中直接行动，与此时此地发生联系。在地性的实践现场是具体的、清晰地、可描述的，它有明确的语境、边界、主体和客体，是参与式艺术发生的第一现场，是实践的基础。在传播现场中，媒体不仅是实践现场的催化剂，而且能够作为艺术参与的途径，以及艺术家创作的话语方式，是参与式艺术发生，讨论与展览的现场。传播现场首先体现出它对构筑作品自身的作用：作品作为一种反物化的媒介，是在不断地传播过程中发酵并显形的，事件、关系等抽象的事实通过媒体的传播生效了，成为作品本身。其次传播现场承载了展览现场的功能。由于参与式艺术作品介质的反物化性，亦使展览空间虚拟化与多维化，进而带来观看方式的改变。这种由实体空间到虚拟空间的衍生、变革和发展也使得参与式艺术能够拓展其空间维度，呈现更为多重的可能性。《六环比五环多一环》是一个针对北京城乡结合部的在地调查项目。在项目中我们能够清晰看到实践现场和传播现场的呈现，以及二者间的前后关系。于实践现场，艺术家以沉浸式的参与方式，通过对边缘叙事的挖掘与梳理来唤起人们的感官。与此同时，经由网络上的信息传递，讨论互动与媒体宣传，作为第二现场的传播现场让作品更加的饱满，显形并生效。两个现场互相呼应，层层递进，是一个完整展现参与式艺术工作逻辑的典型案例。

摘要：90年代以来，一些艺术家开始不再单纯地制造艺术品，他们更看重社会中那种不可视的关系结构，通过将观众从静止观看的位置拉上舞台，成为作品创作的一员，使作品的面貌从美术馆中脱离出来，渗透到每个人之间的交流、合作、甚至是对抗上。将日常中的社会关系，重新打乱组合，从而在里面寻找更多的可能性。这个建构新的社会现实，提供不一样的审美判断的过程，我们称之为参与式艺术，或者社区艺术、介入式艺术等等。
　　本研究强调了观看既参与这种创作结构和表现形式，以及不同于以往观看视觉艺术作品的区别。两者的观演关系是截然不同的，前者是一种单向的信息传输，普通人相对于艺术家来说，只能以观众和分析者的立场存在；后者模糊了作者和读者的身份，艺术家通过合作或者代理式展演，让原本与艺术毫不相关的人群，成为了艺术创作最核心的部分。艺术家试图通过这种变化，让原本不相干的社会阶级产生联系。对观看即参与这一转变的原因和影响展开论述。从资本对艺术的规训和对社会的量化等问题出发，需要一种参与的艺术去改变和修补人与人之间冷漠的社会关系。普通大众对艺术作品的观看变成了一种复杂的肉身体验，这样的参与直接或间接改变了一些社会中既定的认知，感性的再分配和审美上的重新判断，为人与人之间的相互理解提供了平台。此外，跟随着观看即参与所形成的影响，论述如何看待在这个复杂的过程中产生的伦理问题。当讨论伦理问题本身就是作品的一部分的时候，我们没有必要再将伦理工具化，去职责或者批判某个参与式作品中，所谓艺术家和参与者平等与否的问题。而是应该将重点放在，通过参与，让一些伦理问题得到重新的判断上，尤其是在今天这个自媒体时代。网络成为艺术家设计的，让观众得以观看参与艺术创作的介质，其产生的效应和影响力是更加具有普遍性和持久性。从网络论述日常中的观看既参与，通过弹幕以及弹幕加直播的方式，让日常的表达得到了最有效的影响。当艺术家把这种方式挪用到自己的创作中来时，更多的可能性在等待着我们。

摘要：抽象艺术是在西方哲学和艺术史发展中产生的，代表着现代主义运动的基本方向：反传统，精英性和追求形式美感。西方现代艺术发展史可以说是一部抽象艺术的发展和演变史。在艺术史中众多流派的作用下，西方现代主义艺术逐步走向抽象化和平面化。经历后现代主义艺术的转变，在今天的语境下，各种艺术样式相互交融，相互影响，相互作用，抽象的形式在各种媒介的艺术中都扮演着重要的角色。极简主义标志着作为成熟风格和流派的西方抽象艺术已成过去，但有关抽象艺术的探索却没有因此而终结，特别是在当代文化语境中追究抽象形式、探讨抽象空间及观念的介入性仍有颇多的空间需探索。抽象艺术在中国的发展历经众多坎坷，由于传统审美习惯和历史现实原因，长期缺乏系统的研究和探讨，一直被屏蔽于写实造型体系和写意表达语言之后。时至今日，国内出现一批致力于抽象创作研究的艺术家和批评家，通过大量的实践将抽象意识和思维以艺术的形式展现在观众面前，掀起一股抽象热潮。本文阐释了抽象艺术在西方和中国的历史发展及在当代艺术语境下的现状，然后重点把论题放在当代艺术发展至现今的语境下的演变，无论是具象、抽象、还是装置艺术和多媒体艺术在运用抽象形式语言进行语式转换（尤其指抽离出的抽象因素既有外在因素表现形式为点、线、面、色彩、形状、形式等，也有抽象的内在因素表现为崇高性、精神性、理性等。）在当代艺术中的实践及运用，探讨抽象艺术形式语言在当代艺术中的切入将会带来什么样的作品？又能在当代艺术面临诸多窘境中解决什么样问题？抽象艺术的未来发展及跨界？摒弃了单纯的研究抽象艺术是本文的意义所在。
　　本研究分为四个部分：第一章阐述了抽象艺术的由来及在西方现代社会生活及社会生产下的逐步演变及发展。第二章讲在西方现代抽象艺术的影响下，中国抽象艺术的探索及发展脉络，中国抽象艺术在多年的探索中所带来的成果以及同样面临的困难处境，第三章主要讲在装置艺术和综合媒介中抽象形式语言的介入所带来的新生，第四章讲在具象绘画中抽象因素的作用。

摘要：本文从我国残障人士社会生活现状切入，观察综合存在的问题及其背后的成因。探讨如何解决困境的过程中，引入医学心理学领域的“艺术治疗”观念，通过对残障人士艺术作品的解读，发掘残障人士的话语方式及其对于被理解的强烈渴望。提出新观点“外在引导的艺术治疗”，艺术家通过作品触摸残障人士的精神世界，以作品展现问题发人深思。从外部搭建通向残障人士的桥梁，得出艺术正作为这座桥梁的内在结构，起着重要作用的观点。
　　科技改变生活，艺术同样改变生活。文章旨在提出公共艺术介入的核心观点，通过对具体作品案例的探讨分析、实地考察、问卷调研，展开剖析其所承担的责任及呈现的作用，重点突出在与公众进行沟通的功能上。再以本人为残障人士创作的作品为案例，从作品创作初衷源起，到与残障人士的交流，直至最后作品的呈现及效果，综合本人对现存公共艺术的调研成果，展开讨论公共艺术与社会关系的更多可能性，从而推导出公共艺术在残障人士社会生活中所体现出的价值——“连接性”——作为残障人士与社会沟通的桥梁这一论点。从公共艺术的本质属性“公共性”入手，通过探讨公共艺术所承担的社会责任加以论述。从其对残障人士生活的影响来探讨残障人士与公共艺术的互动关系以及公共艺术在人类日常生活中与在残障人群社会生活中所展现出的沟通性的差别与特点。

摘要：我国美术教育改革已经步入了核心素养时代，《国家中长期教育改革和发展规划纲要》（2010—2020年）对我国学校教育改革提出了新的要求，《国务院办公厅关于全面加强和改进学校美育工作的意见》（国办发〔2015〕71号）指出：“近年来，学校美育取得了较大进展，对提高学生审美与人文素养、促进学生全面发展发挥了重要作用。但总体上看，美育仍是整个教育事业中的薄弱环节。充分考虑地区差异，重点关注农村、边远、贫困和民族地区。”
　　新疆地域辽阔，民族众多。一直以来，新疆地域都有明显的多民族多文化特征。因为地理位置和历史的缘故，新疆成为东西文明和文化的中转驿站，多种文化在此交融。广袤、苍茫、时间积淀与生命力量……独特的新疆地域文化随着时代的变迁，社会在不断地进步与发展，新疆地域文化更需要“取其精华，弃其糟粕”与时俱进的传承与发展。
　　在全球化和大数据时代背景下,地域文化作为中华文的重要组成部分，在加速的变迁与消亡。以新疆地域文化的传承发展为方向的美术教育改革更是时代的需求，作为学校美术教育理当担负起传承新疆地域文化传承的重要责任。文化和学校课程之间的联系直接紧密，而地域文化和学校美术课程内容之间的联系也是密不可分，地域文化的成果表现以及其发展动力都离不开学校课程，而学校课程的进行则依赖于地域文化。为此,学校美术教育课程改革应完善新疆地域文化传承的课程内容,有效发掘丰富的地域文化课程资源,实施主题统整的课程组织形式,依托多样化的课程形式,以促进新疆地域文化在学校教育中的传承。
　　本论文分为四章加以阐述。第一章对新疆地域文化及审美意识特点概述，界定地域文化的含义，从新疆地理自然生态和历史人文景观、新疆民族生产生活与语言文字、新疆民俗、新疆宗教、新疆民间艺术五个方面概述其特点。第二章分析了新疆地域文化传承面临的问题与挑战，论述了时代变迁与地域文化传承间的矛盾和新疆地域文化与学校美术课程的相互作用。第三章对新疆学校美术课程现状作出分析，通过对新疆学校美术课程开设现状、学校美术课程内容中的地域文化、部分学段基于新疆地域文化的美术课程内容建设等分析，总结出新疆地域文化传承在学校美术课程建设中面临的问题。第四章从进一步充实新疆地域文化在美术课程中的内容、探究新疆地域文化内容在美术课程中各学段间的衔接、注重加强美术课程中涉及新疆地域文化内容与其它学科相互渗透与融合、课程中新疆地域文化内容的选择、课程中新疆地域文化内容的组织五个方面对学校美术课程内容改革实践研究，最后对学校美术课程内容完善促进新疆地域文化传承进一步的思考。

摘要：社交媒体正在对普通人的交往和行为方式进行重新定义，并对权利世界、文化世界产生深远影响。其中，一群利用社交账号发布和交流视觉艺术信息的年青人正在利用社交媒体的便利改变着世界艺术的图景。这群虚拟空间的活跃分子构成了一个特殊的社群——虚拟艺术社群。本文旨在通过研究社交媒体中的虚拟艺术社群生产和社交方式，探讨虚拟艺术社群对现实艺术世界的反作用。在论文的书写中，笔者认为，作为一个正在活跃并且不断扩大的社群，一个全球化的群体，虚拟艺术社群把更多的普通大众拉入到了艺术生产和消费的环节中去。但是其特性又将艺术创作者们置于了困境，使青年艺术家们在社群中迷失了身份，沦为了普通的产出者。随着社交媒体的进化，艺术家与虚拟艺术社群的融合是必然而不可逆的结果，在笔者看来，虚拟艺术社群正成为艺术世界里“一股不可忽视的力量”。

摘要：随着社会的不断发展，数字，电子计算机技术对于社会的影响力是日渐变的强大，社会的生活被数字技术不断的往前推进，同样数字技术也慢慢的深入到了艺术领域。艺术创新与技术进步总是相辅相成每一种新技术的诞生都会孕育出某种新形式的艺术作品。生成艺术的产生与兴旺与电子计算机技术有着不可分割的关系。通过计算机程序软件如(proceessing)与代码制作出连艺术家本人都无法完全预期的艺术作品。生成艺术运用于各个人文领域，如建筑领域、设计领域，雕塑与绘画艺术领域。在当代艺术中国内外众多知名艺术家都或多或少接触或制作过生成艺术作品。生成艺术是传统艺术领域与现代数字科技结合的产物。其大大激发了艺术家创作的灵感，拓展艺术的新边疆，表达艺术家的个性。就艺术这一范畴来说，生成艺术把技术与艺术再一次以一种新的方式结合。虽然生成艺术还不被人所熟知，但在艺术相关领域已经有了非常大的影响。本文通过生成艺术来探讨数字技术对当代艺术的影响。

摘要：本项研究将文化资本作为概念工具，采用艺术学、经济学、社会学等理论相结合的方法，探讨创意产业语境下艺术创意的经济功能与文化功能。
　　艺术创意是在创意产业语境下提出的一个概念，它强调对艺术资源的开发和利用，不仅包括传统的艺术生产，还包括通过“艺术渗透”提升其它生产活动价值创造的方式。艺术创意具有文化与经济的双重属性，这是由艺术的生产在创意产业语境下已转变为文化资本运动的现实所决定的。文化资本是一种同时拥有文化价值与经济价值的特殊资本，其资本性主要表现为增殖性、运动性、积累性等资本的一般性质，其文化性主要表现为意识形态性、创新性、可共享性等特殊性质，艺术创意具备了文化资本的双重属性，也因此拥有了资本价值创造与资源配置的功能，以及文化意义生产与传播的功能。
　　艺术创意成为文化资本具有一定的历史语境，建立在媒介技术进步、符号消费兴起与产权保护制度逐渐完善的基础上，是社会经济形态、主导资本形态与艺术生产方式历史演变的交汇。艺术创意作为文化资本，在创意产业中的运动过程包含两个方面:一是经济价值创造的过程，即作为生产要素，经过生产、流通与消费实现价值的增殖;二是文化的传播过程，即作为文化意义，经过创造、流动与接受完成意义的建构。两个过程耦合关联，构成文化经济的深层结构。
　　艺术创意的经济价值创造功能主要体现为优化产业结构、通过产业的关联效应推动经济增长。艺术创意借助于现代数字信息技术的作用推动产业融合，渗透到三次产业，形成艺术农业、工业设计、审美体验经济等新的产业与经济形态。价值链、价值网络与价值星系是实现艺术创意价值创造的基本生产组织模式。
　　艺术创意的文化传播功能主要体现在艺术的生产与传播中。艺术创意以产品为媒介，通过产品的创意设计化、对三次产业的渗透融合化、价值实现模式的多样化，造就了日常生活审美化的景观。艺术创意通过将日常生活转变成美育的社会课堂、大众与分众传播对艺术创意产品进行审美意义的诠释与批评和趣味群体的塑造、艺术创意群体对趣味的生产与示范等各个不同方面影响着社会审美趣味的建构。