摘要：本文从我国残障人士社会生活现状切入，观察综合存在的问题及其背后的成因。探讨如何解决困境的过程中，引入医学心理学领域的“艺术治疗”观念，通过对残障人士艺术作品的解读，发掘残障人士的话语方式及其对于被理解的强烈渴望。提出新观点“外在引导的艺术治疗”，艺术家通过作品触摸残障人士的精神世界，以作品展现问题发人深思。从外部搭建通向残障人士的桥梁，得出艺术正作为这座桥梁的内在结构，起着重要作用的观点。
　　科技改变生活，艺术同样改变生活。文章旨在提出公共艺术介入的核心观点，通过对具体作品案例的探讨分析、实地考察、问卷调研，展开剖析其所承担的责任及呈现的作用，重点突出在与公众进行沟通的功能上。再以本人为残障人士创作的作品为案例，从作品创作初衷源起，到与残障人士的交流，直至最后作品的呈现及效果，综合本人对现存公共艺术的调研成果，展开讨论公共艺术与社会关系的更多可能性，从而推导出公共艺术在残障人士社会生活中所体现出的价值——“连接性”——作为残障人士与社会沟通的桥梁这一论点。从公共艺术的本质属性“公共性”入手，通过探讨公共艺术所承担的社会责任加以论述。从其对残障人士生活的影响来探讨残障人士与公共艺术的互动关系以及公共艺术在人类日常生活中与在残障人群社会生活中所展现出的沟通性的差别与特点。

摘要：社交媒体正在对普通人的交往和行为方式进行重新定义，并对权利世界、文化世界产生深远影响。其中，一群利用社交账号发布和交流视觉艺术信息的年青人正在利用社交媒体的便利改变着世界艺术的图景。这群虚拟空间的活跃分子构成了一个特殊的社群——虚拟艺术社群。本文旨在通过研究社交媒体中的虚拟艺术社群生产和社交方式，探讨虚拟艺术社群对现实艺术世界的反作用。在论文的书写中，笔者认为，作为一个正在活跃并且不断扩大的社群，一个全球化的群体，虚拟艺术社群把更多的普通大众拉入到了艺术生产和消费的环节中去。但是其特性又将艺术创作者们置于了困境，使青年艺术家们在社群中迷失了身份，沦为了普通的产出者。随着社交媒体的进化，艺术家与虚拟艺术社群的融合是必然而不可逆的结果，在笔者看来，虚拟艺术社群正成为艺术世界里“一股不可忽视的力量”。

摘要：随着社会的不断发展，数字，电子计算机技术对于社会的影响力是日渐变的强大，社会的生活被数字技术不断的往前推进，同样数字技术也慢慢的深入到了艺术领域。艺术创新与技术进步总是相辅相成每一种新技术的诞生都会孕育出某种新形式的艺术作品。生成艺术的产生与兴旺与电子计算机技术有着不可分割的关系。通过计算机程序软件如(proceessing)与代码制作出连艺术家本人都无法完全预期的艺术作品。生成艺术运用于各个人文领域，如建筑领域、设计领域，雕塑与绘画艺术领域。在当代艺术中国内外众多知名艺术家都或多或少接触或制作过生成艺术作品。生成艺术是传统艺术领域与现代数字科技结合的产物。其大大激发了艺术家创作的灵感，拓展艺术的新边疆，表达艺术家的个性。就艺术这一范畴来说，生成艺术把技术与艺术再一次以一种新的方式结合。虽然生成艺术还不被人所熟知，但在艺术相关领域已经有了非常大的影响。本文通过生成艺术来探讨数字技术对当代艺术的影响。

摘要：本项研究将文化资本作为概念工具，采用艺术学、经济学、社会学等理论相结合的方法，探讨创意产业语境下艺术创意的经济功能与文化功能。
　　艺术创意是在创意产业语境下提出的一个概念，它强调对艺术资源的开发和利用，不仅包括传统的艺术生产，还包括通过“艺术渗透”提升其它生产活动价值创造的方式。艺术创意具有文化与经济的双重属性，这是由艺术的生产在创意产业语境下已转变为文化资本运动的现实所决定的。文化资本是一种同时拥有文化价值与经济价值的特殊资本，其资本性主要表现为增殖性、运动性、积累性等资本的一般性质，其文化性主要表现为意识形态性、创新性、可共享性等特殊性质，艺术创意具备了文化资本的双重属性，也因此拥有了资本价值创造与资源配置的功能，以及文化意义生产与传播的功能。
　　艺术创意成为文化资本具有一定的历史语境，建立在媒介技术进步、符号消费兴起与产权保护制度逐渐完善的基础上，是社会经济形态、主导资本形态与艺术生产方式历史演变的交汇。艺术创意作为文化资本，在创意产业中的运动过程包含两个方面:一是经济价值创造的过程，即作为生产要素，经过生产、流通与消费实现价值的增殖;二是文化的传播过程，即作为文化意义，经过创造、流动与接受完成意义的建构。两个过程耦合关联，构成文化经济的深层结构。
　　艺术创意的经济价值创造功能主要体现为优化产业结构、通过产业的关联效应推动经济增长。艺术创意借助于现代数字信息技术的作用推动产业融合，渗透到三次产业，形成艺术农业、工业设计、审美体验经济等新的产业与经济形态。价值链、价值网络与价值星系是实现艺术创意价值创造的基本生产组织模式。
　　艺术创意的文化传播功能主要体现在艺术的生产与传播中。艺术创意以产品为媒介，通过产品的创意设计化、对三次产业的渗透融合化、价值实现模式的多样化，造就了日常生活审美化的景观。艺术创意通过将日常生活转变成美育的社会课堂、大众与分众传播对艺术创意产品进行审美意义的诠释与批评和趣味群体的塑造、艺术创意群体对趣味的生产与示范等各个不同方面影响着社会审美趣味的建构。

摘要：微型网络平台的高速发展改变了人们的生活习惯、思维走向以及信息获取方式。艺术从线下走入线上，得以迅速传播，不可不归功于“微时代”新媒介、新载体所带来的前所未有的艺术传播方式。当然，以移动互联网为主要媒介的虚拟化传播在为艺术传播带来新方向、新生机的同时，也日益挤压着传统艺术传播方式的生存空间。因此，应看到事物的两面性，充分发挥其正面作用，同时对其自身缺陷加以分析与解决，从而实现对负面影响的有效规避。
　　“微时代”爆发的导火索是智能手机的普及，本质原因则是人们日益攀升的精神需求和科学技术的进步。以移动互联网为依托的传播载体，以各类信息微型化、即时性扩散为主要特性的传播方式构成了“微时代”最主要的传播特点，除此之外，还有互动性、商业化、娱乐化和后现代性。
　　“微时代”的传播客体门类繁多，传播媒介有着接收终端和传播平台的双重微型性，传受关系表现出身份可互换的显著特征。综合上为艺术信息共享、艺术交流、艺术信息数字化等带来了良好的传播效果。
　　在消费文化的影响下，“微时代”艺术传播呈现出过度商业化和过度娱乐化的负面趋势。与此同时，虽然“微时代”艺术市场发展迅速，也仍有许多现实问题亟待解决。“微时代”艺术传播需要逐步解决上述问题，并进一步明确未来发展方向:将社会美育作为要求，创造健康的传播环境，达成艺术传播的良性发展。
　　将文献研究与问卷调查相结合的研究方法、整体与个案相结合的研究方法、艺术学与传播学相结合的跨学科研究方法结合起来，对“微时代”背景下的艺术传播进行深一层次的研究是有价值的。

摘要：艺术家作为创作主体，在创作过程中融入了社会经验和视觉经验两种效用。他们的社会经验主要来自所在世界的物质形式、时代轮回的特殊印记、环境造就的规训习惯等。然后，他们通过移情进入视觉经验：图像建构、媒介选取、叙事策略等，形成独特的艺术“风格”，最后呈现出来。呈现给谁？是他们即无法预设也无法控制的。因为艺术家的社会经验来自所在的时代，会隐喻同一时代其他人的经验，所以有一部分群体与艺术家是暗合的，有公共经验的，可以产生共鸣。但不排除还存在另外一部分与艺术家不暗合的群体，他们和艺术家之间没有公共经验，这个时候，艺术接受就变得不再有共鸣。
　　然而，人人皆有身体。由此，我们将身体介入艺术创作，寻找彼此都有的一种公共经验。但需要注意的是这里身体介入的公共经验不是绝对的公共经验，因为只要身体不能卸载有关知识、记忆、历史、信仰的代码，就一直无法达到真正地彼此的公共经验。当身体仅仅作为人类最基本的物质形态和心理体验即身体知觉介入艺术时，身体固有的符号化的隐喻被置后，身体最原初的公共经验被带入，这时的经验较少受到各种场域影响，因而在艺术创作中也很容易引发“公共”。
　　本课题研究的主要内容是身体知觉介入艺术后的非符号化的公共经验，其中身体知觉是从梅洛-庞蒂的知觉现象学而来。梅洛-庞蒂“知觉的身体”最早实现了身心和身体诸官能间的统一，由此，身体固有的符号化的隐喻被置后，身体知觉带来的非符号化的公共经验进入艺术创作和艺术解读。本人选取了具有代表性的艺术家及艺术作品，针对身体固有的符号化的隐喻、身体知觉带来的非符号化、身体知觉的公共经验进行细致剖析，在比较中寻找更为确切的解读。
　　第一，身体知觉的理论基础，主要包括身体知觉的哲学由来和艺术由来。哲学由来，从早期的“欲望的身体”，到之后“权力的身体”，再到之后梅洛-庞蒂的“知觉的身体”；艺术由来是到塞尚才出现，才回到原初的知觉。第二，身体知觉的非符号化，先对身体的符号化的现状及对公共经验的影响进行了梳理举例，如草间弥生等个案分析；继而切入论证身体知觉介入艺术后的非符号化的公共经验，如西丽·娜沙特等个案分析。第三，具体的行为结构和原初刺激带来的身体知觉的公共经验的说明，列举了具有代表性的艺术家约翰·凯奇、谢德庆、安娜·曼蒂尔塔、奇奇·史密斯。第四，针对本人创作的说明等。

摘要：原始冲动是人类内心深处的原始本能，对这个本能做出最直接地反映，保持最原始本真的成分，在现代的文明社会中是很可贵的。原始冲动还是一种稚拙淳朴的力量。在这种力量中所展现的原始的性和暴力的成分是我所关注和感兴趣的地方。当代艺术的表现似乎是与性和暴力这两个元素死死的绑在一块的。单看它们是挑动我们道德底线的两个敏感词汇。我们往往认为暴力是指一种个人强制施压的力量，这个词一般表现为贬义词，但在我创作的意念下，性和暴力自然而然地融为一体，从而让我更深入彻底的思考着，暴力能为我所用，我怎样来看待这个词？或许它代表了一种恐怖与动荡不安的情愫，但是它仍然是我作品的特性，是我的一个特有的标签。它是疯狂的一股能量，存在于原始冲动之下，隐于每个人的心中。
　　就像我喜欢的那些不加修饰疯长着的万事万物，一颗生命力旺盛的树给人的感觉肯定是蓬勃有力的。一个情欲旺盛的人首先是非常热烈，心中的那团火是熊熊燃烧着的。
　　性可以说是我一直以来创作中所不能缺少的元素，围绕着这个元素，表达自己对情欲的幻想以及情欲在我的生命观，个人价值观里的所在的意义和观念。无疑对这一最原始的本能我首先是开放的迎接的，着力表现和渲染歌颂的。但究竟为什么我对它的感觉会如此不能割舍？这里面有一种藕断丝连的关系，冥冥中你一开始就爱上它，冥冥中它始终贯穿你创作生涯的步数。性与暴力的关系在某些氛围下表现的太过“暧昧”，它们似乎是同时共存的，当我们释放爱欲冲动时，暴力以一种近乎完全隐秘的方式做出刺激的回应，这种冲击的方式与爱的方式交融在一起，你看不到暴力的进行，但它却以爱的方式渗入爱人的骨髓。可以说，在我看来，欲望冲动之下隐藏着暴力的美感。艺术本身就是那么的矛盾和敏感，在碰撞中提取出那么一点的“创作养分”进行释放。在原始感性冲动中才能毫无保留的任由自己的性情自由驰骋。

摘要：从古至今艺术与商业之间一直以来都存在着一种紧密不可分割的联系，两者相互包含、相互促进地不断共同发展前进。没有一个艺术家可以做到完全地脱离商业领域躲进没有尘埃的艺术象牙塔里进行纯粹的艺术创作。同时，商业也并不只是一个一味地追求金钱利益的领域，商业需要艺术色彩的点缀才得以实现更好的经济效益。尤其是当下社会，商业与艺术的合作活动愈演愈烈，各大品牌竞相地向艺术家发出合作的邀请函，艺术血液的注入使商业领域弥漫着艺术气息，充满艺术魅力，带着艺术性的品牌单品成为了消费社会里人们争先恐后消费购买的宠儿，艺术进入大型购物商场为商业领域带了福音。本论文通过以时间为纵轴在美术史上寻找、发现体现艺术与商业存在联系的事例，并以日本艺术大师村上隆与LV成功合作多年的艺术和商业联姻经典案例作为该论文中心部分，并且分析该案例成功的原因，从而证实艺术和商业的互相合作可以达到双赢目的的融合之效。

摘要：艺术囊括着多种多样、异彩纷呈的表现形式，历来就被认为是神赋灵感或个人才华的结晶，彰显着精神领域的力与美。然而随着工业革命的启程，艺术同样被纳入了生产的影响范围之内，成为了一种社会化的生产劳动，其内涵和外延都得到了极大地扩展。
　　马克思从政治经济学和哲学的双重维度出发，创造性地发展出了艺术生产理论。他强调了艺术创作的物质性与世俗性，揭示出其受物质生产资料制约的客观规律，同时也相应地对客观的物质世界具有巨大的能动作用，两者之间还常常出现不平衡的发展现象。
　　世界不断向前发展，艺术生产也不得不面对着新的现实、新的图景。在马克思艺术生产理论的基础上，波德里亚从符号学角度出发，对艺术生产的现实做出了进一步理解，他认为消费逻辑已然席卷一切，但这种消费并非建立在切实的物质基础之上，而是被符号化了，能指和所指相脱离的情况使得消费实际上承载着更多的社会意义。
　　当代中国的艺术生产同样也深受消费逻辑的影响，表现出了符号消费的新特征：艺术消费开始在各个方面主导着艺术生产，商品与艺术之间的界限日益模糊；与此同时，艺术产品也不可避免的体现出了符号化的特征，图像时代就此降临。艺术生产是精神生产的组成部分，其变化势必影响着精神领域的发展。在符号消费化的影响下，一方面，个体挣扎在差异性与趋同的困境之中，另一方面，艺术生产也为人们提供了互相理解和沟通的渠道。而在此意义上发展起来的大众文化挑战着权威，为小众群体发声，体现出了民主自由的社会价值。具备着这一新特征的艺术生产也作为意识形态的承载者，在国际竞争中大放光彩。正因为艺术生产对于社会具有如此重大的影响，如何全面可持续地发展它就成为了当代中国迫切的现实需要。
　　在马克思艺术生产理论的基础上，借鉴波德里亚符号消费理论的精髓来观照当代中国的艺术生产，归根结底是为了促进当代中国艺术生产的整体发展，并在艺术生产中认识人的本质，实现人的自由，最终达到人的全面发展的目的。

摘要：淄博陶瓷是中国民间工艺的经典代表之一，陶瓷工艺深深印刻了淄博人民的劳动与造物智慧。今日，淄博陶瓷的发展在传统农业社会向现代工业社会转型的语境之下，随着人们生活水平，消费水平的提升与发展，民间艺术发展的“生态环境”有了崭新的变化。
　　山东淄博昆仑陶瓷有限公司在陶瓷产业的转型期抓住机遇，不仅在设计形式上有长足发展，使珍贵鲁青瓷得以在现代审美交融而“再生”，形成企业独特的风格，而且还在市场经济的大环境中走向了艺术产业化的道路。如何在市场经济的语境下提炼出淄博陶瓷发展的新经验，如何在现代产业中构建与传播淄博陶瓷品牌，是本文研究的核心内容。文本以文化品牌的视角重新审视整个淄博陶瓷行业在当下的保护、传承、发展与应用策略，具有一定的理论和实践意义。
　　笔者运用的研究方法主要有，田野调查法、定性分析中的内容分析法、历史学研究中的时空结合法等。其中，获得资料的方式主要有：观察法（在山东昆仑陶瓷有限公司厂区以及1954产业园区收录一手素材）、调查法（预先设计好问题，与昆仑瓷业老职工以及专门项目负责人多番交流）、函询法（向山东昆仑陶瓷有限公司、淄川税务局、图书馆等部分进行电话、邮件等方式的沟通）、查阅法（查阅网上文献、区图书馆查阅文献等）。笔者选取昆仑牌鲁青瓷为个案研究对象，跳出了对于民间文化书本式的研究的框架，立足山东昆仑陶瓷股份有限公司这个根据点向相关企事业单位辐射式的搜集一手资料，一方面保证了论文写作的学术严谨性，另一方丰富对淄博陶瓷的发展方向性研究。
　　文章研究框架包含三部分，绪论部分阐释研究淄博陶瓷品牌建设与民间艺术产业开发的相关理论依据，即该学科的研究重点在于文化品牌的创建及传播管理、运营的基本原理，为文化产业的品牌建设提供方法论工具与指导；第二部分梳理淄博陶瓷以及鲁青瓷的历史，淄博鲁青瓷的分布现状以及山东昆仑陶瓷有限公司的发展现状，鲁青瓷的传承窑址以及窑址分布，以及昆仑牌鲁青瓷的工艺革新。笔者从时间和空间两个角度立体的描述了淄博陶瓷以及鲁青瓷的发展。并详细阐述昆仑牌鲁青瓷品牌传播与产业开发策略。第三部分是问题与反思，提出品牌保护与文化传承的策略与方针。该章节笔者主要阐述了昆仑牌鲁青瓷品牌建设与推广过程中的问题以及改善策略，从而映射整个淄博陶瓷行业是如何可持续运营的。

摘要：贝伦斯与AEG公司的合作是设计师与大型企业合作的先例之一。他们的合作要求贝伦斯能够合理权衡商业与设计甚至与文化的关系。科技的进步促使企业规模化和国际化，以及采用不同于以往的生产方式。不同于工艺美术运动对手工艺传统的依恋，贝伦斯积极倡导“时代精神”，迎接新时代的到来，并将这种想法契合于其在AEG公司的设计管理当中。当时时代背景的积极影响，加之AEG公司的公司理念与贝伦斯本人对“时代精神”追求的契合，相互影响并且逐渐促成了二者的合作。通过对贝伦斯在AEG的设计资料进行收集，本文将贝伦斯在AEG的设计活动分成平面设计、工业设计、建筑设计三个方面进行梳理，研究发现，贝伦斯非常恰如其分地运用了当时所需的生产方式和宣传方式，他那遵循商业生产的原则，同时又形成了非常一体化的外观。但是贝伦斯的设计管理并非只是与商业的简单结合，他仍然认为自身也同时肩负着社会的责任，需要引导大众的审美，逐渐形成他认为工业中应当拥有的“艺术”这一维度。

摘要：“流动空间”是曼威·卡斯特尔提出的关于网络社会发展的特定概念，源于其“三部曲”著作之一《网络社会的崛起》中的第六章节。这一概念作为全球化进程中在信息技术的推动下产生的一种新空间形式，具有前瞻性、创造性以及对当代艺术发展的启示性。作为一种转化过程中的新的社会形态，流动空间同时也充满了不确定和可能。在信息与技术飞速发展的网络社会，社会形态、经济模式的转变带来的影响波及方方面面。互联网的普及与发展同时也为各行各业带来了新的意识形态和运行模式。本文试图以“流动空间”的概念为着力点，分析当代艺术与网络社会的关系层次，以及转型社会中的当代艺术家面临的冲击和机遇。如何直面冲击，把握机遇，也是当代艺术发展中不可回避的问题。本文旨在通过对网络社会“流动空间”相关概念的梳理总结，结合中国社会飞速的经济发展与剧烈的价值观变革的特殊语境，简要分析“流动空间”对当代艺术发展的影响和启示。并结合个人的创作实践，展开相关问题的针对性思考。

摘要：本雅明思想研究大致有三重线索:第一重线索即德语文学的宗教传统，生活于这种语境中的本雅明不自然地就遵循了神学的思维模式;第二重线索即欧洲与非欧洲族裔的二元对立思维，抑或一种文化霸权，他在这种对立思维中急于实现自我的安身立命和融入欧洲本土文化的迫切需求;第三重线索即文化研究的视角，在对于都市和人群的评述中，视觉文化视角的“看与被看”和社会学视角的“波西米亚人”形象都是很有价值的研究，表现出主体与客体的双重互动关系，为后现代思潮提供了丰富的理论资源。
　　本文的第一章尝试着从德语文学的宗教传统入手，解释了本雅明思想中神学思维形成的原因，其间也简单地回溯了本雅明的生平，勾勒出本雅明世界观的大致轮廓。第二章从本雅明对波德莱尔的研究入手，指出在资本的侵袭之下，艺术品的市场化削弱了艺术家的艺术意志。因此本雅明认为需要激发艺术家的政治潜能，恢复其失去的艺术品格。第三章以艺术品为研究对象，指出从古希腊神话到小说再到电影，艺术品所承载的艺术品格已然发生变化。具体体现为“经验”的匮乏和“光晕”的消逝。对此，本雅明虽然流露出深深的惋惜和怀旧之情，但是出于现实的考虑，他没有像同时代的学者那样止于怀旧，而是转向研究现代艺术中积极的因素。试图通过激发大众的革命意识，来对抗法西斯的“政治审美化”。第四章是对本雅明的这一意图所进行的阐述与评价，指出他借由技术激发大众革命潜能的做法因为过于乐观看待了技术的功效，同时也高估了大众对于艺术品的审美能力，从而难以实现。但是，不可否认的是他的理论富有创见、具有前瞻性，启发了众多理论家，被认为是“20世纪最富原创性和影响力的思想家之一”。

摘要：新工人是指户籍在农村而长期在城市工作、生活的打工者群体。有关新工人的生活与精神状态在文艺的表现中也形态各异。改革开放以来，从最早的对农民工进城的描写到打工文学、打工诗歌的兴起，再到融合更多社会性理念的新工人文艺表达，对“农民工-新工人”的书写呈现出叙述主体上的被动/主动之分，也展露出在新自由主义政治经济背景下对文化领导权的再争夺。
　　本文以新工人文艺为进路，借助北京新工人艺术团的集体文艺实践和诸如郑小琼、陈年喜、许立志等个体性创作，通过对新工人群体内部这些文艺文本的分析处理，来观照其中蕴含着的新工人对现实的感受及其精神文化诉求。新工人文艺文本中不仅包含着对新工人日常生活的审美再现，还表征着新工人对其身份处境及社会关系的审美意识形态。本文尝试以新工人文艺表达里的三种主题元素为坐标，在与时代和社会环境的纵横对照中，探寻新工人以文艺为阵地的崭新社会想象及其背后涌动的新的美学可能性。“劳动”是新工人工作与生活的首要方式，它不只表征新工人在城市的存在状态和工作属性，而且意味着新工人在政治身份之外的身份属性。然而在消费社会的日常生活美学中，新工人的劳动现场是被遮蔽的。并且由于居住、工作的不稳定与无保障，新工人在城市是流动的，这种流动中的劳动在新工人文艺中揭开了市场化时代劳动美学所掩饰的事实，那就是：劳动是现代社会日常生活的重要构成部分，它不同于革命话语时代的崇高叙事，而应是自然的、日常的现实主义审美内容之一。其次，新工人离开农村进入城市后开始有了乡愁，但这种乡愁不同于中产阶级消费主义逻辑下的田园乡愁，它本就是从乡土中来。新工人文艺中有不少表现新工人在城里对故乡家人的忧虑牵挂，但返乡后新工人也无法在乡土上挣脱城市的束缚。这种在城市留不下、在农村回不去的状态绝不是资产阶级的怀旧情怀，而正是资本化时代新工人在物质满足与精神归属层面的双重现实困境。再次，新工人群体内部对夹缝中求生存的社会处境的不同应对策略，既在不同程度上彰显了新工人的自我诉求，更表现出一种孤独的美学意味。孤独是新工人的现实处境，也是新工人文艺作为一种审美形式在大众文化中的对抗性立场。

摘要：电视广告是各种电视媒体内容和形式的重要组成部分。电视广告不仅具有重要的经济意义，还同时具有对社会文化取向的导向性价值。而社会文化取向，作为社会对文化价值观念的反映，同时也对电视广告的市场效应起到巨大的影响。
　　随着我国市场经济的快速发展，社会主义文化建设也取得了巨大的进步。电视广告这种形式与社会文化取向之间互相促进，互相影响的趋势日渐明显。在当前社会发展的历史阶段，有必要对电视广告的市场效应和文化取向的协调性进行深入的研究。在确保充分发挥电视广告的市场效应的同时，对社会文化取向起到更加积极，正向的引导作用，使两者产生良性的循环，互相促进。这不仅具有重要的理论意义，也有非常明显的实践价值。
　　随着多年的发展，我国的电视广告业取得了长足的进步，并涌现出一批在艺术性和观赏性上非常优秀的电视广告作品，其中不乏对整个社会文化的导向产生深远影响的作品。
　　但是不可否认，由于绝大多数电视广告仍然属于商业广告，所以广告主更注重广告带来的短期直接的经济效益，而轻视广告作品对文化取向的影响。片面地要求企业放弃对经济效益的重视而去追求电视广告的对文化取向的引导价值显然是不现实的，所以，本文希望通过对如何利用文化取向对电视广告的影响作为研究，以探究通过政府引导以及提高广告主、广告媒体、广告人和受众文化素养的途径，找到一条能更好的放大电视广告市场效应与文化取向的双赢之路。

摘要：本文是一篇从伦理学视角出发，以伦理失范为切入点探讨表演艺术管理领域伦理问题的探索性研究论文，其创新性在于艺术管理学与伦理学在艺术管理领域内的新结合。
　　在当今表演艺术领域发展的多元环境下，笔者拟在厘清表演艺术管理、伦理、管理伦理等概念的基础上，对“表演艺术管理伦理”这一概念进行初步的界定和阐释，为表演艺术管理研究领域充实新的内容。首先运用伦理学的基本原理和方法来解析在表演艺术管理多元活动中所体现出的五类伦理失范现象，开展表演艺术管理实践活动伦理规范的研究，并揭示表演艺术管理活动中倡立伦理的重要性、作用及伦理失范活动带来的不良影响。在此基础上，依据艺术管理实践活动模型分析五类失范案例的失范因素，针对原因从五个要素方面，提出建设表演艺术管理实践伦理规范的有效对策与途径。明确指出了艺术管理活动主客体及管理受众在进行艺术管理活动中应具备的伦理素养和应遵循的伦理准则，从而引导表演艺术管理企业组织或个人从业者树立义利并举的艺术管理观念，开展和运作符合伦理规范的表演艺术实践活动项目。并且建议规范文艺工作者的道德意识与表演行为，提升欣赏者音乐素养，以及通过完善文艺法律法规来改善和创造适宜的健康的表演艺术管理伦理环境。
　　本文的写作是一项开辟学科研究新领域的有意义的探索。笔者希望这一新领域的研究能够成为未来研究的新趋势，共同致力于促进表演艺术市场健康有序规范地发展。

摘要：我们通过眼睛观看到的世界、得到的认识，有时因为人体的生理条件限制、自身视觉经验支配以及客观因素干扰等影响而与客观真实世界产生一定的偏差。当这种主、客观产生冲突时，那便是视错觉产生了。无奈每个人都万分相信自己的眼睛，所以视错觉还常处在一种被误解的位置上，不能被大众所了解与熟悉。
　　本文通过收集视错觉在各类艺术中的应用，说明视错觉的发展历史之长久、其在艺术中应用之普遍、方式之灵活与多变。通过案例收集结合心理分析得出视错觉由古发展至今，仍深受艺术家与观者喜爱的原因。首先由于视错觉产生的视觉映像与客观真实之间的矛盾激起视觉系统的疑惑,这种疑惑使得心灵有了主动探索的欲望。能够激起观者主动探求的欲望，这对于艺术家来说不可谓是成功的第一步。其次，眼睛蒙蔽人类心灵的方式有千百种，不同的视错觉类型可以与不同的艺术产生无限的新形式，它的艺术应用潜能是无止境的。最后视错觉相较于其它艺术手法更为永恒、精妙和恰当的帮助我们挣脱时空与形体的束缚，深深契合了我们心底的原型，满足我们心灵深处渴望超越的冲动与欲求。

摘要：科学技术迅猛发展，使得理性出现分裂，当实证主义笼罩了科学领域，理性主义也就被收窄为单纯的目的理性行为。目的理性行为追求的是形式合理性而非实质合理性就导致了价值从存在中分离了出来。审美体验便被偷换为了技术进步与目的追求。商品化的潮流也影响到了文化领域，文化产品的使用价值被虚假放大，追求物质利益的目的行为成为了文化产品庸俗化、扁平化的最大幕后推手。
　　伴随着世界观的“祛魅”，宗教彼岸世界被完全打碎，失去了其维系社会一体化的力量，尼采希望通过现代艺术来填补这一空缺。但是，尼采无法使审美判断所保留的尺度合法化，审美更多地被设定为理性的他者。韦伯主张的是价值中立的方法论，赋予了每一个人自由选择价值立场的权力。认为艺术必须要冲破藩篱，不做先验的价值的容器，要追求自身的审美体验和价值体现。
　　随着互联网的商用，信息技术的发展。虚拟的网络平台使得所有参与者实现了全时段、全地域的“在场”，为行为主体的交往行为架设了便捷的桥梁。但是，超文本营造身临其境的感觉以满足受众日常生活中的无法实现的幻想，给人们制造了“在场”的假象，使得主体迷失在信息当中。
　　大众文化的兴起就是对文化精英话语权的解构，以互联网为媒介的超文本的发展颠覆了之前的话语权力结构。但是，部分话语权力的取得靠的是营销策略和炒作手段，而且网络平台的运营者也就运用技术和符码实现了对人的思维方式、情感状态、甚至语言的控制。
　　哈贝马斯提出了其道德主义概念以解决价值与存在相分离的难题，具体解决策略也就是道德商谈原则。他的道德理论带有明显的乌托邦色彩，但是，笔者认为最具有借鉴价值的两个概念就是“规范意识”和“商谈意识”。
　　哈贝马斯应对现代性的危机，提出的解决方案主要是由以主体为中心的理性范式走向交往理性，其前提是建构主体间性。但是，人类在认识自然的基础上，想要彻底改造自然，但是自然从来也没有屈从于人类任性地解释和肆意地改造，而且人类的主体地位在工具理性的压制下也已经被消解。哈贝马斯认为重建主体间性过程中文学艺术在其中发挥了极其重要的作用。通过创作与阅读建构起主体间性，让艺术家和欣赏者走进了文学公共领域，同时增强了其主体认知。
　　应对文化冲突问题时，哈贝马斯提出建构文化间性，打破文化中心和文化他者的二元对立，消除压倒性的文化霸权思维，倡导多元并存，兼容并蓄的文化态度，以平等的姿态切实地沟通，以达成共识。

摘要：本文以文化谱系中的艺术与体育为研究对象，通过对二者的比较研究，本文探讨的核心问题是:艺术与体育在文化谱系中分别处于什么位置？艺术与体育的本质区别有哪些？艺术谱系内部、体育谱系内部、艺术谱系与体育谱系之间的过渡、交融、衔接、渐变关系具体是怎样的？
　　论文包括四个部分。绪论部分的主要内容是:艺术与体育比较研究的背景和意义、文献综述、相关概念界定、研究思路、研究方法及创新点等铺垫性材料。论文主体三部分的逻辑关系是:人类心理活动是在生理基础上发生的现象，而人类心理在发生、发展的过程中形成了表达意义的不同手段，这些手段构成了既有区别又存在联系的序列。这样，从心理学角度进行的艺术与体育比较研究，就与从脑科学角度进行的艺术与体育比较研究产生了必然联系。在此基础上，从心理学和脑科学两个角度研究艺术与体育，就与符号论中艺术与体育的比较研究形成了一个整体。
　　进一步说，通过比较研究可知:在脑科学视野中，体育运动主要实施小脑的功能，艺术主要发挥大脑、小脑相整合的功能。体育与艺术之间存在着从以运动神经环路、情绪神经环路为主要机制到以运动神经环路、情感神经环路为主要机制的渐变、过渡的谱系。在意识结构视野中，体育是一种意志活动，艺术是一种情感活动。体育与艺术之间有一个由意志到情感、由情绪到情感、由目的论判断到情感判断的渐变过渡关系。在符号论视野中，体育是以动作为手段表达意志力的文化，艺术是以形象为手段表达情感的文化。表现在参与方面，体育与艺术之间存在着从基本动作到动作组合、从动作组合到动作造型、从动作造型到其他艺术形象的变化谱系。表现在接受方面，体育与艺术之间存在着从不以观赏为主要目的到主要以观赏为目的的过渡谱系。

摘要：随着科技的日益发达，互联网技术经历了飞速发展，在我国的互联网发展进程中，移动终端设备的凸显及4G的广泛普及使移动互联网呈现出井喷式发展。这其中，网络社交作为互联网发展历程中的变革性应用，一度改变了人们的沟通方式及信息传播渠道，随之而来的移动社交应用也逐渐成为不可或缺的存在。然而，当前移动社交应用同质化现象日趋严重，相似的功能与界面很难保证较高和稳定的用户黏度。由于用户黏度直接影响到应用的生存与发展，因此如何提升用户黏度成为所有移动社交应用亟待解决的问题。
　　心流作为一种将个人精神力完全投注到某种活动上的感觉，在诸多方面都有非常广泛的应用，并且通过科学验证已被证实具有影响个人情绪体验的作用。因此将心流理论引入到移动社交应用用户黏度分析中具有非凡的研究价值。本文立足于移动社交同质化严重的表象，以心流理论作为研究的切入点，从内在情绪的角度分析研究用户在使用中行为与根本动机，挖掘用户的潜在需求，旨在提出一系列理论、系统的设计原则，以提升移动社交应用的用户黏度，创造丰富全面的互动体验。
　　本文从四个方面入手进行阐述：首先，文章对移动社交应用、用户黏度、心流理论等诸多概念进行界定，并确定心流理论在移动社交应用中的重要研究价值；其次，分析用户在移动社交应用中的需求与行为、心流产生的相关要素，进而初步总结心流与移动社交应用二者的关系；紧接着，详细分析移动社交应用用户黏度的构成及影响因素，通过多种研究方法总结心流与用户黏度的关系并最终构建用户、心流、移动社交应用用户黏度三者的因果关系模型，同时得出相关的设计原则与系统的设计方法，提出游戏化任务的概念；最后，将构建模型得出的设计方法与原则应用到具体的项目实践中并进行验证，得出游戏化的社交方式能够帮助用户获得全方位心流体验的结论，这不仅可以提升应用的用户黏度，也可以为现有的移动社交应用提供一定的指引方向。